Entrevista a la Directora de fotografía de “A Quiet Place”, Charlotte Bruus Christensen

Enero 30, 2019

by Nino LeitnerEnero 30, 2019

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“A Quiet Place” es un largometraje de 2018 de John Krasinski, protagonizado por Emily Blunt y John Krasinski. La película está ambientada en un futuro post-apocalíptico en el que cualquier sonido puede causar tu muerte inminente. Fue rodada por la directora de fotografía danesa Charlotte Bruus Christensen, y filmada en celuloide de 35 mm, y tuve el honor de hablar con ella en una entrevista de Skype sobre su proceso de trabajo.

Charlotte Bruus Christensen fue muy generosa en darnos su tiempo en esta entrevista de Skype, y aquí está la transcripción completa.

La directora de fotografía Charlotte Bruus Christensen (a la derecha) en el set de “A Quiet Place”, protagonizada por Emily Blunt. (Imagen tomada de IMDb)

cinema5D: cabo de volver a ver A Quiet Place hace un par de días. Como preparación para esta entrevista, y tengo que decir que realmente se sostiene como una gran película y una gran pieza cinematográfica, incluso después verla por tercera vez. Definitivamente impactó a muchos en la audiencia, creo que también le fue muy bien en la taquilla. ¿Es esto algo que esperabas cuando estabas trabajando en ella?

Charlotte Bruus Christensen: No. John Krasinski, el director, siempre estuvo muy emocionado con su idea. y todos lo estábamos. Pero realmente se procesa como una película, no como una película pequeña, pero casi como una obra de arte. Así que no creo que ninguno de nosotros haya pensado que recaudaría tanto dinero y vendería tantas entradas. Pero obviamente, los productores lo pensaron, e hicieron bien al pensar eso.

cinema5D: Cuando ves la película, no solo por la lejanía del lugar donde se filmó, pero en verdad parece como si fuera un pequeño equipo trabajando en ella, como una película independiente muy pequeña que por supuesto tiene grandes nombres. ¿Fue realmente así?

CBC: Lo fue en varios sentidos, había una simplicidad en la forma en que lo hicimos, eso la hizo sentir como una película independiente y más pequeña. Sin embargo, seguía siendo una película de estudio. Ya sabes, Paramount Pictures estaba detrás de ella. Pero lo que la hizo sentir pequeña fue que John y el equipo de locaciones encontraron esta increíble locación en el estado de Nueva York, así que todo se filma en este lugar. Hay un par de sets que están a una hora o dos al norte de allí. Pero eso significaba que el equipo viajara allí y nos establecimos. No era un equipo numeroso, había cuatro personas en el elenco principal. y un par de otros nombres allí, pero es un elenco pequeño. Así que se sintió como pequeña, teníamos solo tres sets, y había un area de equitación cerca. Así que construimos esos tres sets en esta area de equitación. Así que lo hizo parecer muy independiente, como una pequeña familia. Eso fue lo realmente emocionante de este proyecto y esta idea. Es un proyecto con un concepto elevado. John Krasinski es un hombre lleno de energía y le brinda algo a todos, su gente realmente cree en el. Por lo tanto, se sentía como una película independiente.

cinema5D: ¿cómo te involucraste inicialmente con el proyecto? Sé que te hiciste amiga de Emily Blunt en el set de ‘La chica del tren’, ¿es así?

CBC: Sí, nos conocimos en esa película y fue una relación muy estrecha. Y la quiero mucho, es una actriz increíble y una buena amiga también. Entonces, ella me llamó, recuerdo que era verano y estaba en casa en Dinamarca y ella me envió un mensaje de texto: “¿estás en casa?… mi esposo, John Krasinski, ha encontrado un guión que quiere reescribir y creo que ustedes dos deberían hablar así que le envié tu número”. Y colgué el teléfono y John llamó, literalmente, 30 minutos después o algo así, e hicimos la primera reunión, que fue un año antes de comenzar a rodar. Así que sí, el proyecto llegó a través de Emily. Y fue idea de ella reunirnos.

John Krasinski en A Quiet Place, de Paramount Pictures.

Qué bien, y se convirtió en un proyecto real bastante rápido. Solo tenían 30 días de rodaje cuando comenzaron a filmar, ¿cierto?

CBC: Sí, nos tomó aproximadamente un año poner todo en su lugar, así que rodamos el verano siguiente. Pero sí, una vez que tuvimos el proyecto, el presupuesto y las locaciones en su lugar, solo teníamos 30 días de rodaje, así que fue un rodaje rápido. Era un presupuesto de $17 millones, Y, obviamente, algo de eso tenía que ir a los efectos visuales. Y había un personaje, una criatura que había que construir. Entonces, algo del dinero tenía que ir para eso. Por lo tanto, era un cronograma muy ajustado, que fue probablemente el mayor desafío de todo este rodaje, ya sabes, la historia tiene lugar durante dos días, El inicio ocurre unos días antes, pero luego, una vez que entramos en la película, son algo más de dos días. Por lo tanto, para lograr que funcionara, la continuidad de la luz en la noche y todo eso fue un desafío.

cinema5D: Supongo que la limitación también es un beneficio, porque en muchas películas de terror probablemente estás limitado en cuanto a la cantidad de tomas de efectos visuales que puedes hacer dado el presupuesto.

CBC: Si, teníamos como 50 tomas o algo así, así que John y yo nos sentamos con los productores y dijimos: “Bueno, en esta toma queremos ver a la criatura”. Creo que terminamos con algunas más. Pero todo era ajustado.

cinema5D: “A Quiet Place” es realmente un tipo de película inusual, también por el hecho de que todo es muy silencioso debido a la necesidad de los personajes de no hacer ruidos para poder sobrevivir. Debido a esa privación sensorial, en el departamento de audio, eso también automáticamente significa que la audiencia enfoca su atención más en lo visual. Así que creo que automáticamente se convierte en una película más visual que el promedio. Después de leer el guión por primera vez, ¿Cómo hiciste para planear el look de la película junto a John Krasinski?

CBC: El tenía una clara visión general de la película. El siempre la pensó desde el principio como una pieza muy cinematográfica, una pieza que necesitaba tener en cuenta los paisajes. Me mostró un par de películas de referencia, grandes películas como “No Country for Old Men” y “There Will Be Blood”, Y “Jaws”, todo filmado en celuloide. Así que vimos esas películas, y no es que fueran referencias directas pero había algo en esas películas, parecía como que emanaban cierta confianza. Entonces tomamos ese trabajo y dijimos: bueno, de estas películas lo que necesitábamos aprender y observar es cómo crear esa confianza. Se ven sólidas. Así que estaba esa confianza que realmente queríamos intentar explorar. Además de eso, me dio algunas cosas, como este retrato de familia, queríamos darle un enfoque muy poético, y fue interesante mezclar ese enfoque poético con los elementos de la criatura de terror. Así que hubo una mezcla de géneros y eso obviamente me dio mucho para trabajar junto a todo el concepto de la película, donde hay muy poco diálogo y el elenco se comunica con lenguaje de señas, así que ese era otro elemento que necesitaba considerar realmente, y pensar en cómo hacer que funcione.

Un comienzo aterrador en A Quiet Place

cinema5D: Una de las primeras cosas que pensé cuando vi las primeras escenas de la película por primera vez fue que te das cuenta de que algo está pasando con el sonido: las personas no pueden hacer ruido. Y como realizador, yo mismo pensé “qué interesante”, porque por supuesto eso influye en el tipo de lentes que eliges, tu encuadre, qué tan lejos puedes o debes estar de tu personaje. ¿Cómo consideraron todo eso cuando lo planificaron? ¿Y, usaron storyboards en la película?

CBC: No usamos storyboards en la película. Los productores en el estudio deseaban graficar algunas de las escenas de la criatura, para calcular cuántas tomas se usarían, por el presupuesto y todo eso. Pero para John nunca funcionó hacer un storyboard. Quería tener un enfoque más libre… quería tener la libertad de descubrir qué es este personaje, qué haría esta criatura en la escena, cuando comenzó a ensayar con Emily y el resto del elenco. Así que no le funcionó hacer un storyboard. Hicimos algunos pero nunca los usamos realmente. Así que fue un proceso muy orgánico. John, como todos saben, también es un gran actor, y eso es lo que ha estado haciendo. Ha hecho un par de películas antes que esta pero se ha desarrollado como actor. Y al trabajar con actores que dirigen, ellos están acostumbrados a responder a las cosas en el set, y creo que eso es lo que hicimos. Obviamente, planeamos ciertas cosas, hay algunas tomas que teníamos en mente al escribir el guión. Y con esas tomas, luego pondría otras tomas a su alrededor, y lo discutíamos, yo se las ofrecía y él las confirmaba. Así que fue un proceso muy orgánico, que funcionó muy bien para esto, porque queríamos mantener esa sensación poética y esa atmósfera verídica, y que se trataba de una historia real. Entonces no queríamos un enfoque de terror con planos contrapicados o angulares más tradicionales de las películas de terror. Hay un par de ellos, pero no era lo que queríamos hacer. Así que fue un proceso orgánico, sin storyboards. A veces teníamos listas de tomas, pero no para decir “esto es lo que hay que hacer”, sino que se resolvía en el set.

cinema5D: ¿Te sentiste limitada o desafiada por el diseño de sonido? Porque claramente siempre tenías que estar cerca de los personajes con la cámara, usando lentes más cortos, para poder escucharlos en la pantalla.

CBC: Definitivamente me sentí desafiada por eso, porque desencadenó otro proceso en mí, darme cuenta de que la energía del diseño de sonido también depende de dónde colocamos ese lente. Si colocamos el lente muy cerca de alguien, siempre habrá un sonido. Aunque esa persona esté tratando de permanecer en silencio, si estás cerca oirás movimientos de la ropa o de los pies en la arena. Habrá un diseño de sonido para ello. Mientras que si tuvieras ese mismo tamaño de imagen pero con un lente largo a lo lejos, habría un corte en el sonido, o ningún sonido. Así que me sentí realmente desafiada al considerar e imaginar lo que el sonido tenía que hacer en ciertos lugares y luego colocar el lente según ello. Así que en esta más que en cualquier otra película que haya hecho, eso de poner un lente angular más cerca o un lente largo más lejos, fue más importante que con otras películas, en las que a veces se busca lo bonito, o quieres aislar al personaje pero igualmente puedes tener el sonido cerca, porque eso es lo que haces con las películas. Fue algo muy importante en este proyecto.

cinema5D: Siento que esta película tiene muchas escenas fuertes, como por ejemplo la infame escena de la bañera que puede convertirse en algo histórico en el cine. ¿Sentiste eso cuando la estabas filmando? ¿Sentiste que tenía el potencial de ser algo más grande?

CBC: Si y no. No creo que haya pensado que eso podría ser histórico, no creo que me atrevería a pensar cosas así. Pero sí recuerdo mirar a través de la cámara en tomas como la de arriba de la bañera donde Emily Blunt está recostada y ella grita, y luego la luz que parpadea a un lado, recuerdo que todos nos bajamos de la cámara, fuimos a ver los monitores donde estaba John, y todos sentimos que eso era especial, que había sido algo muy loco. Recuerdo que Emily apareció esa mañana antes de esa escena, y me dijo: “pon tus cosas en orden, no voy a hacer esto tres veces, así que no me vengas a decir que algo de la iluminación no funcionó. Pon tus cosas en orden y cuando estés lista lo haremos, no voy a estar gritando para siempre”. Así que sabía que estaba limitada en cuanto a la cantidad de veces, pero en definitiva creo que nos llevó sólo una toma para lograrlo. Y como John y Emily son pareja, primero discuten las cosas entre ellos. Pero recuerdo haberme bajado de la cámara corriendo y ella me dijo “¿funcionó?”, y dijimos: “oh, sí, ¡funcionó bastante bien!”. Todos estábamos muy emocionados, de seguro sabíamos que era un momento especial para nosotros en nuestra película, pero no que fuese algo que la gente iría a reconocer esa toma en especial y luego saber que esa es la película, que ahora creo que sí es así, si ves esa toma, la gente sabe que es ‘A Quiet Place’. Eso es bastante genial.

Emily Blunt en A Quiet Place, en la conocida escena de la bañera.

cinema5D: Obviamente decidiste filmar en celuloide. El celuloide no te resulta raro, por supuesto, filmaste muchos proyectos en celuloide, lo vi en tu filmografía. Pero, ¿por qué decidiste filmar en celuloide para este proyecto en particular? Porque probablemente desde el punto de vista de un productor, con una película que sucede un 50% en la oscuridad, es una decisión muy osada.

CBC: Oh sí, y se necesitó cierta explicación para intentar persuadir a los productores para filmar en celuloide. Pero desde el principio sentí que las películas de referencia que John me mostró y las cosas que decía, las cosas que empecé a desarrollar y la visión, y el paisaje que rodeaba ese granero y las vistas anamórficas, queríamos darle una sensación cálida a esta familia, que es sobre el amor, por eso sobreviven. Así que la sensación del granero tenía que ser cálida. Y luego hubo mucho maquillaje, porque las personas estaban viviendo desde hace bastante tiempo sin lavarse, sin cortarse de pelo. Entonces el look bronceado y la suciedad y todo eso fue todo maquillaje. Y saber que teníamos que hacer muchos primeros planos debido al sonido, consideré todos estos factores, y dimos nuestros argumentos para filmar en 35mm. Lo discutí con John y él me dijo: “¿por qué?”, así que primero se lo dije a el y él se convenció y pensó que era una excelente idea y era lo que él quería, entonces juntos escribimos una carta a los productores explicando el por qué. Obviamente peleamos un poco sobre los números en comparación con los números digitales, y sobre cuánto material filmar y todo eso. Pero al final viendo cómo resultó el proyecto y el look de la película, creo que todos quedaron contentos y era verdad lo que decíamos, da con el look que queríamos directamente, en vez de perder tiempo más tarde en DI para crearlo. Pero también me encanta lo digital, no sé por qué termino en proyectos que requieren 35 mm. Y me encanta trabajar con eso, me encanta trabajar con el fotómetro, siento que hay una simplicidad que me gusta. Pero eso no significa que no quiera filmar cosas en formato digital. Para mí es interesante, con todas las herramientas digitales disponibles, sigue pareciendo muy difícil hacer que algo realmente se vea como película. Creo que no hay nada como la negrura del celuloide. Hay un tipo específico de negrura en el celuloide que lo hace ver muy real y orgánico y también aterrador. Porque con el digital siempre sabes que puedes subirle la luminancia y puedes ver lo que hay allí. Con el celuloide es como que eso es todo, y tiene una calidad que es difícil de describir. Pero si grabas sombras y negros en digital, si lo levantas se vuelve gris, mientras que si levantas los negros en celuloide se vuelve granulado, lo vuelve más vívido, no es que siempre quieras levantarlo, si decides hacer algo negro es porque se supone que debería ser negro. Pero en cualquier caso, es más vívido, no sé qué es. Y el negro fue sin duda un personaje en esta película porque hay ciertas escenas donde van a este sótano y está completamente negro, no es como el negro de celuloide. Hay una escena donde el la lleva a ella luego de encontrarla con el bebé y la lleva al sótano. Y decidimos hacer que se vea negro, solo pasan a través de una pequeña rendija de luz. Como dijiste, tiene cierta diferencia, se vuelve vivo, simplemente funciona bien.

cinema5D: ¿Es difícil trabajar con un director que también es uno de los personajes principales, especialmente cuando filmas en celuloide? Porque obviamente necesitas mostrarle el video después de la toma. Por lo general -lo sé por mis épocas de estudiante, filmando en celuloide- que ese video a menudo no es de la mejor calidad. Seguro por lo menos tenías HD, pero aún así, es diferente de ver algo en un monitor prístino 4k.

CBC: Sí, lo es, incluso con el monitoreo en HD, no es una imagen muy buena. Creo que de alguna manera ayudó que John fuese actor, y que conocía su actuación y la ejecutaba, obviamente quería ir a ver la toma, y quería verla en el entorno con la iluminación y todo lo demás, pero creo que el no estaba juzgando solo por la imagen, que no era una imagen buena de todos modos. Así que creo que salió muy bien en este proyecto, cuando tal vez otros directores realmente necesitan verlo en un monitor y entonces es un problema que no puedas ver las cosas, es difícil ver el enfoque, es difícil ver que los negros no se verán como son en verdad en el celuloide. Pero creo que el era muy consciente de lo que estaba sucediendo en el set con su propia actuación y con la de los demás, así que en verdad funcionó muy bien.

Las “luces rojas de advertencia” en A Quiet Place, filmada en celuloide de 35 mm.

cinema5D: Aparte de filmar en celuloide, creo que también fuiste muy osada al usar muchas luces rojas en la película. Sabiendo cómo puede verse el color rojo cuando filmas en celuloide, o incluso en digital, es probablemente el color más difícil de elegir, ¿verdad?

CBC: Es el color más difícil de elegir y no fue una elección, estaba en el guión. El rojo es la alerta, es el peligro. Y de nuevo, es un personaje de la película. Así que necesitaba que eso funcione, fuese en película o en digital, necesitaba hacer que funcionara. Así que hice muchas pruebas, también porque las bombillas -no solo la luz roja sobre una cara- sino también la bombilla real, queríamos que se vieran rojas, pero también las necesitábamos para iluminar, porque tenemos estos planos abiertos donde una cadena de luces navideñas también necesita iluminar. ¿Cómo iba a conseguir que las luces rojas iluminaran el camino en un plano abierto, sin añadir más luces? Y no queríamos añadirle demasiada luz blanca, porque entonces se volverían blancas si este agregado fuese demasiado blanco. Así que había un nivel de lo que podía exponer en celuloide con las lentes anamórficas, hice algunas escenas con lentes esféricos para extraer un poco mas de luz, pero ¿cuál es el nivel donde puedo exponer para el rojo y aún así lograr algún efecto en la arena pero sin sobreexponer las bombillas? Así que hicimos muchas pruebas de exposición con respecto a eso. Y, como dices, la luz roja cayendo sobre una cara o sobre un objeto hace que se vea un tanto desenfocado, se ve blando y es difícil trabajar cuando el color de la luz es el color principal. Así que lo que pensé es que para las escenas del sótano se suponía que sólo debíamos poner luces rojas, pero le pregunté a John si él estaba de acuerdo con agregar un par de velas, lo que me dio una fuente adicional que eran estas velas cálidas -no rojas, sino muy cálidas- y así lograba estimular el ojo un poco porque así obtienes esa línea que es perfectamente definida. Así que ponía esa línea en otro lugar del cuadro para equilibrarlo de alguna manera. Y no lo vuelve más enfocado, solo estimula un poco la visión. De alguna manera funciona.

Emily Blunt en A Quiet Place.

cinema5D: No sé si fue intencional o no, pero algunas de las tomas en esa escena me recordaron a “2001, Una Odisea en el Espacio” donde tienes la luz roja en la cara, que probablemente fue la última vez que vi algo filmado en película completamente iluminado con una luz roja. Eso fue bastante genial.

CBC: Siempre es complicado, especialmente si filmas en celuloide, porque no lo sabes hasta dentro de tres días. Así que cuando volvía a casa esa noche, ponía mi cabeza en la almohada y decía “oh, Dios mío”.

cinema5D: ¿Había algún laboratorio cerca o tuvieron que enviarlo a Los Ángeles?

CBC: Lo enviamos a Nueva York. Kodak acaba de abrir un laboratorio en Nueva York. Pero antes de llegar allí, seguro pasaban dos días antes de que lo pudieras ver. Y esas escenas sucedían en un tanque de agua y yo sé que no iba a ser muy popular si fuera a preguntar quién filmó esas escenas. Pero también me gusta eso de no saberlo todo. Conlleva mucha presión pero también tiene creatividad, y planeas algo y vas en busca de eso, lo cual me gusta mucho. Por suerte, al final todo salió bien con el rojo.

cinema5D: Absolutamente. Hablando del look de la película en general, no parece ser la típica película de terror, es muy saturada, los colores son muy profundos durante las escenas del día. Es una elección interesante, porque hace que lo que viene sea aún más sorprendente para mí.

CBC: Nunca había filmado una película de terror y no soy fanática de las películas de terror, me encanta mirar las buenas y las clásicas, pero no es mi género personal. Así que al encarar este proyecto, escuchar a John y su decisión de contar la historia de una familia verdadera, no era necesario que fuese de tipo documental, pero igual tenía que centrarse en lo cálido, le daba cierta veracidad. La calidez del granero con las velas, todo eso es un ambiente cálido. Así es verdaderamente un granero de madera con velas. Y me hubiese parecido falso tratar de desaturarlo. Así que nos centramos más en la historia que en el género. Y creo que eso también es interesante para cualquier película, es que sea cual sea la historia y las locaciones, si es una historia verdadera que sucede en este mundo, naturalmente te aleja de lo que esperas de un género. Así que creo que optamos por el verdadero desorden de las locaciones. Y cuando el director me dice que se ve poético, se siente como un poco de poesía mezclada con una película clásica y épica con los paisajes, de inmediato eso me da una especie de calidez. Y luego el contraste con las noches, que obviamente son más frías, lo llamamos “azul plateado frío” en lugar de “luna azul”, como que tenía cierta frescura plateada, así que teníamos ese contraste de la noche y la criatura brillaba con esos colores azules. Así que tenía un poco ese contraste entre cálidos y azules.

John Krasinski en A Quiet Place.

cinema5D: Tanto la locación como el diseño del set y la elección de lentes hizo que se sintiera muy orgánico, y es más una historia sobre una familia que una película de terror, ¿Cierto?

CBC: Lo es, y John siempre decía eso. Antes que nada, es la historia de una familia que sobrevive en este mundo de terror. Y cuando lo charlamos por primera vez, recuerdo que tuve una larga conversación con John, y cuando leí el guión por primera vez, mi respuesta fue “este es el mundo en el que vivimos”. Hay tanto terrorismo, no sabemos cuándo atacará, ¿Cómo sobrevivimos? ¿Dejamos de enviar a nuestros niños a conciertos alrededor del mundo por los terribles acontecimientos y tiroteos que han ocurrido en los conciertos y cosas así? O vivimos nuestras vidas como tenemos que hacerlo. Ahí está el gran signo de interrogación, ¿cómo sobrevivimos en un mundo de terror? No sabemos cuándo ataca, ¿y qué es lo que lo hace atacar? De eso se trata toda la película. Él está tratando de averiguar por qué no comen lo que cazan, por qué no se comen a las personas que acaban de matar y huyen. Había como un signo de interrogación más grande que es como una pregunta universal en este momento, creo.

cinema5D: Absolutamente, y creo que eso la convierte en una gran película, porque no es solo una película de terror, es una gran película con una gran historia. Escuché que va a haber una secuela, y creo que ya te han preguntado esto antes, Pero, ¿sabes si serás tu la que haga la fotografía de esa secuela?

CBC: Lo he escuchado, no sé si hay un guión y todo eso. Pero en este momento no parece que lo vaya a hacer, todavía no me han preguntado, así que veremos qué pasa. No he leído el guión todavía, pero escuché de algunos miembros del elenco que todo sucederá esta primavera, pero quién sabe. Yo no.

De izquierda a derecha: Emily Blunt y Millicent Simmonds en A Quiet Place, de Paramount Pictures.

cinema5D: ¿En qué estás trabajando ahora, o qué tienes a continuación?

Ahora mismo estoy como en el medio. Acabo de terminar una película antes de Navidad llamada ‘The Banker’, dirigida por el escritor George Nolfi. Así que ahora estoy leyendo y con suerte voy a hacer un par de comerciales, así que disfrutando el año nuevo.

cinema5D: Mi última pregunta, muchas de las personas que leen nuestra web son personas que comenzaron en los tiempos de la filmación con DSLRs y han evolucionado desde allí. El sitio ha existido durante 10 años y muchas personas han podido hacer cosas más grandes y algunos están dando el salto hacia el mundo del cine. ¿Qué consejos o sugerencias recomendarías a las personas que están comenzando o que están buscando dar ese salto hacia la industria del cine? ¿En qué deberían enfocarse?

CBC: Ya sea que creas estar en una posición en la que puedes ser selectivo o no, creo que es muy importante ser selectivo, y leer guiones y sentir que eso es algo en lo que crees, que es algo que sientes que tienes algo para ofrecer. Que te comprometas en proyectos, grandes o pequeños, eso nunca será una excusa. Porque a veces estás tan ansioso por entrar en la industria del cine que harías cualquier cosa para conseguir ese primer trabajo y creo que eso no es algo bueno porque si no consigues ese primer proyecto y no estás realmente orgulloso de ello, no querrás salir y decir “sabes, realmente no me gustó mucho el guión pero me hubiera gustado hacerlo”. Siempre debes responsabilizarte de los proyectos que haces, ya sean cortometrajes o largometrajes. Y creo que si haces eso, simplemente lees el guión y eres honesto con lo que piensas de el, si aceptas algún trabajo y conversas con el director, sé honesto para que puedas ofrecer y dar lo que eres. Y si haces eso con tus cortometrajes realmente creo que estarás reflejado en ese proyecto y será por eso que la gente te contratará para un largometraje, porque te mantienes fiel a quién eres como artista. Así que no lo persigas, realmente tienes que estar orgulloso de lo que eres. Cada artista tiene una mirada, y no es que no podamos cambiarla, no soy una persona que le guste el cine de terror, pero hay algo en ese proyecto que tiene una parte de mí, creo que me contrataron porque querían ese contraste. Y por eso creo que igualmente tengo que poner lo que soy, como los tonos cálidos, la película 35mm y todas esas pequeñas cosas, pero adaptándolo al director. Así que creo que siempre tienes que poner un poco de lo que eres. No lo fuerces.

cinema5D: ¿Crees que la educación formal de cine sigue siendo necesaria hoy en día, o crees que la gente puede lograrlo solo haciendo un cortometraje?

CBC: Sí, cada vez más, porque hoy es tan fácil acceder a las cámaras digitales, incluso puedes hacer una película increíble en un teléfono móvil. Así que no creo que necesites ir a escuelas de cine, depende de quién eres y cuáles son tus deseos. Yo fui a la escuela de cine y lo disfruté mucho. Me encantaba estudiar Historia del Cine y retroceder en el tiempo, y si reaccionas a estas cosas y usas el pasado para crear el artista que eres, las escuelas de cine tienen algo genial. Porque puedes estudiar en casa pero es una cosa diferente a asistir a conferencias y ese tipo de cosas. Mientras que si eres un hacedor y solo quieres aprender haciendo, no perdería mi tiempo en ir a una escuela de cine, iría y filmaría cortometrajes. Mientras que tú creas en esas historias, no participes de cosas en las que no crees, no llegarás demasiado lejos, me parece. Tienes que estar orgulloso, incluso si no es tu proyecto igualmente diste todo de ti, y puedes estar orgulloso de los resultados.

cinema5D: Genial, gracias Charlotte, fue muy inspirador.