¿Cortar o no cortar? – una pregunta que todos los editores enfrentan regularmente (o deberían). Como dijo una vez el gran Alfred Hitchcock, el montaje no se trata de cortar la película sino de ensamblar sus piezas. Elegir cuidadosamente los cortes correctos y ponerlos en un orden preciso no solo ayuda a contar una historia sino que también crea un impacto diferente en los espectadores. No hay duda de que la edición es una herramienta enormemente poderosa. Comprender cuándo cortar y por qué puede mejorar drásticamente tus habilidades en el cine. Aquí, elegimos algunas técnicas útiles para que pruebes.
Antes de abordar cualquier proyecto y encaminarte hacia el montaje inicial, es fundamental sentarse y hacerse (a uno mismo o al director) las preguntas adecuadas. Eso es lo que siempre hace Tom Cross, independientemente de las imágenes de la película que le espera, o del tamaño o la complejidad de la historia. Tom es un editor ganador de un Oscar, mejor conocido por sus colaboraciones con el director Damien Chazelle en cuatro de sus películas: “Whiplash”, “La La Land”, “First Man” y la más reciente, “Babylon”. Además, es el instructor del curso MZed titulado “El Arte y la Técnica de la Edición de Películas”. En este curso integral, que abarca más de 8 horas, combina conferencias teóricas con deconstrucciones de escenas en profundidad de su propio cuerpo de trabajo.
Volvamos a la parte de “hacer las preguntas correctas”. Primero, piensa en la historia del guión. ¿De qué se trata la película? ¿Cuál es su tema? ¿La esencia se concentra en torno a una idea o a una persona? Las respuestas determinarán si estarás editando para un personaje, una historia o un tema. Como segundo paso, Tom recomienda centrarse en el “cómo”. Por ejemplo, ¿Cómo evoluciona este personaje a lo largo de la película? ¿Cómo puede tu edición apoyar y simbolizar esa transformación (pasar gradualmente de planos generales a primeros planos, o aumentar el ritmo son solo un par de ideas)? Escribe las respuestas y colócalas cerca de tu escritorio, así regresarás a ellas durante la edición.
¿Por qué realizar un corte?
Buena pregunta. Seguramente sabes cómo se pueden contar escenas completas o incluso películas completas por medio de las tomas largas (si no lo sabes, tenemos un artículo que habla únicamente sobre esta técnica con los mejores ejemplos de películas aquí). Así que, ¿por qué no usarlo? Puedes optar por este estilo y evitar cualquier corte visible, pero la elección del estilo debe basarse en las respuestas de las que hablamos antes. ¿Este enfoque respalda la historia o es solo una herramienta sofisticada que querías probar? Se honesto contigo mismo.
Tal como explica Tom Cross, a veces deseas que la edición sea invisible, y otras veces los espectadores deberían notarla continuamente. A modo de ejemplo, en “Whiplash” optaron por realizar cortes dinámicos de muy alta velocidad en la mayoría de las escenas de percusión porque querían crear esta sensación desalentadora de no poder seguir el ritmo. En “La La Land”, por el contrario, la edición fue lenta y fluida, apoyándose en las tomas largas; E incluso allí, han usado cortes para subrayar los diálogos cuando era necesario. Puedes comparar ambos ejemplos por ti mismo:
De acuerdo, supongamos que has establecido tu estilo de edición para un proyecto concreto y estás seguro de que no dependerás únicamente de tomas largas. ¿Ahora qué sigue? ¿Cómo determinas cuándo y por qué hacer un corte en un momento específico? Los libros clásicos de teoría cinematográfica ofrecen una lista con las razones principales para hacer un corte al tratar con la mayoría del material. Descargo de responsabilidad: lógicamente, también pueden entrar en juego otros factores. Sin embargo, estos criterios son un buen punto de partida cuando tienes que tomar una decisión de edición:
- Información
- Motivación
- Composición de planos
- Ángulo de la cámara
- Continuidad
- Sonido
Echémosle un vistazo más de cerca a los más importantes.
Darle nueva información a la audiencia
Incluso si nunca has visto “Psicosis” de Hitchcock, probablemente habrás oído hablar de la legendaria escena en la ducha. Consta de aproximadamente 78 configuraciones de cámara y 52 cortes. Cuando se ensamblan, las piezas representan el asesinato de una manera bastante impresionista. ¿Cuántos de ellos muestran el cuchillo entrando en el cuerpo? Ninguno. Por supuesto, en 1960, los cineastas carecían del lujo de VFX y prótesis realistas, lo que los obligó en parte a adoptar este estilo de edición.
Al mismo tiempo, como destaca el editor Adam Epstein en su curso “The Cutting Edge” (que incluye el módulo “The Theory of Editing” y también está disponible en MZed.com), la escena es particularmente impactante. Nuestro cerebro tiene que unir todos esos breves momentos, crear conexiones entre ellos y llenar los vacíos. Y nuestra fantasía, bueno, puede ser muy creativa.
“Psicosis” es probablemente un ejemplo extremo, pero aun así nos enseña que uno de los muchos objetivos de un buen editor es involucrar a la audiencia tanto emocional como mentalmente. Los espectadores deben pensar, adivinar y anticipar. Para lograrlo, cada nueva toma debe proporcionarles una nueva información, o un giro inesperado, o dejar una pregunta abierta.
Cada vez que uno pasa de un plano a otro, uno tiene que preguntarse si no hay información nueva en el plano al que se está cortando, entonces ¿Por qué se está cortando? ¿Hay quizás otra toma, de la misma escena, que proporcione nueva información y encaje en la historia?
Del libro “Grammar of the Edit: second edition”
El efecto Kuleshov
Jugar a mostrar u ocultar información va de la mano con manipular las emociones. Y esa es también una respuesta a la pregunta de cuándo y por qué establecer un corte. Al rodear una toma con diferentes ideas, tienes el poder de crear un significado completamente nuevo para esa misma toma. Esta técnica se denomina yuxtaposición de planos y se basa en el clásico efecto Kuleshov.
A principios de la década de 1910, el cineasta ruso Lev Kuleshov demostró un fenómeno mental muy interesante en la percepción de la edición de películas (montaje). Tomó un primer plano del rostro inexpresivo del actor de cine mudo Ivan Mosjoukine y lo cortó junto con otros planos (un plato de sopa, una niña en un ataúd, una mujer en un sofá). Luego le mostró su trabajo a una audiencia y recibió comentarios curiosos. Los espectadores creían que la expresión del actor era sutil, pero diferente cada vez, dependiendo de lo que estaba “mirando”. Elogiaron su capacidad para mostrar hambre, dolor o deseo con tanta naturalidad. Como habrás adivinado, las imágenes de Mosjoukine fueron siempre las mismas, por lo que la reacción del espectador no tuvo nada que ver con su talento como actor.
¿Qué podemos aprender de esto? Que es crucial no solo determinar cuidadosamente el momento adecuado para un corte, sino también seleccionar qué cortar. La secuenciación de las escenas de la película es vital y requiere que los editores mantengan el control para evitar efectos no deseados.
Cortes motivados para mostrar la perspectiva del personaje.
Pero, ¿Qué pasa con la toma que estamos cortando? ¿Cuál es la razón para mantenerla y cuándo es un buen momento para dejarla ir? Este es el segundo punto de nuestra lista inicial llamada “motivación”. El mejor escenario posible aquí es cuando el contenido visual ofrece algún tipo de elemento motivador en sí mismo. Podría ser algo grandioso como un automóvil que cae por un acantilado, o algo pequeño como una expresión facial sutil en la que un personaje mueve los ojos ligeramente hacia un lado como si de repente notara un detalle importante fuera de la pantalla.
Como dice el refrán, los ojos son las ventanas del alma. Para Tom Cross, también son la mejor manera de meterse en la cabeza del personaje, ya sea mostrando su reacción o cortando lo que estás mirando. Por ejemplo, volvamos a “Psicosis”. Antes de la escena de la ducha, hay un momento en el que el asesino está espiando a una mujer mientras se desnuda. Mira a través del agujero oculto, corte, vemos exactamente lo que él ve, otro corte, un primer plano extremo de su ojo pegado al sujeto. Esta secuencia es un ejemplo perfecto tanto de darles a los espectadores nueva información como de usar la perspectiva inicial del asesino como motivación para cortar.
Cuándo cortar – por qué es importante prestarle atención al parpadeo
Hay otra interesante teoría sobre los ojos que me gusta mucho y te invito a que la pruebes. Pertenece a Walter Murch, un renombrado editor de obras maestras como “Apocalipsis Now” y “Godfather Trilogy”. En su libro dedicado al montaje cinematográfico, se sumerge en la pregunta de por qué la gente parpadea. La respuesta que encuentra, sin embargo, no solo está relacionada con la humedad del aire o el clima.
Walter Murch vio que parpadeamos por un breve momento para separar los pensamientos en nuestras mentes. Para comprenderlo mejor: intenta hablar con un amigo y préstale atención a cómo escucha. Parpadeará en el momento en que entienda completamente la idea que estás transmitiendo. Y si vamos a filmar una conversación así, es exactamente en ese momento en donde debería estar el corte.
De manera similar, en el cine una toma nos presenta una idea o una secuencia de ideas, y el corte es un “parpadeo” que separa y acentúa esas ideas.
Walter Murch, una cita de “In the Blink of and Eye”
Podemos usar este conocimiento para elegir el momento adecuado para cortar. Si estás editando una toma con la reacción de un actor, dale un momento para procesar el pensamiento (tus espectadores necesitarán una cantidad de tiempo similar), déjalo parpadear y luego corta.
Otros consejos para convertirte en un mejor editor
Si estás interesado en hacer que tu edición sea precisa y reflexiva, puedes echarle un vistazo a conceptos como “la regla de los seis” (pero recuerda, las reglas también existen para que las rompas). En el curso de MZed “The Cutting Edge” de Adam Epstein, analiza todos los aspectos de las reglas, apoyando la teoría con ejemplos de películas famosas. También escribiremos piezas educativas sobre diferentes temas cinematográficos en el futuro, así que mantente atento al sitio.
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¿Y cómo responderías personalmente a la pregunta de cuándo y por qué cortar? ¿Qué técnicas te parecen útiles y cuáles son importantes pero pueden faltar? ¡Estaremos encantados de conocer tu experiencia de edición en la sección de comentarios a continuación!
Imagen destacada: fotogramas de películas de “Psycho” (1960), “La La Land” (2016) y “Whiplash” (2014).
Divulgación completa: MZed es propiedad de CineD
Fuentes adicionales:
- “Gramática de la edición: segunda edición” por Roy Thompson, Christopher J. Bowen, 2009.
- “En un abrir y cerrar de ojos: una perspectiva sobre el montaje cinematográfico” de Walter Murch, 2005.
