La iluminación debe ser creíble y motivada, o al menos eso es lo que dicen las convenciones cinematográficas modernas. Ya hemos hablado mucho sobre ello y sobre cómo lograrlo. Después de todo, emular la luz es una habilidad crucial para los diseñadores de iluminación. Sin embargo, ¿qué tal si rompemos las reglas? ¿Qué pasa si queremos utilizar deliberadamente la luz no motivada como herramienta para contar historias? Echémosle un vistazo a algunos ejemplos que pueden ayudarnos en esta misión.
Como muchos otros cineastas, creo sinceramente que todas las herramientas deben respaldar la historia, y la iluminación no es una excepción. Cuando está motivada, ayuda a la audiencia a sumergirse en el mundo creado sin distraerse, y hablaremos de esto a continuación. Pero, ¿qué pasa si la distracción es intencionada o incluso desesperadamente necesaria?
Luz motivada versus luz no motivada
Cuando hablamos de iluminación motivada, nos referimos a una luz creíble, coherente y auténtica. En resumen, luces cinematográficas que se puedan justificar dentro de la toma. A veces, los cineastas utilizan elementos prácticos para este propósito. A modo de ejemplo, si quieres iluminar el fondo, puedes colocar una pequeña luz dentro del cuadro para crear la ilusión de que está proyectando la luz necesaria. En otros casos, confiamos en el sentido común. Si hay una ventana en la habitación y los espectadores saben que está allí, creerán que la luz del día cae sobre el rostro del actor desde esa dirección.
Obviamente la luz natural es la más creíble y también podemos usarla, pero no en todos los casos (puedes leer más sobre por qué es así aquí y aquí). Entonces, cuando aplicamos accesorios de cine para iluminar el escenario y obtener la exposición correcta, tratamos de emular la luz apropiada para la situación tanto como sea posible. De esta manera, la iluminación crea un mundo creíble en el que el público puede sumergirse.
La iluminación desmotivada, como sugiere el nombre, es lo opuesto. Imagina una toma en la que la luz parece aleatoria, proviene de ángulos extraños, es demasiado brillante o no se adapta en absoluto a la situación. Eso sería una distracción, ¿no? Al menos, no añadiría realismo a nuestro mundo cinematográfico.
Sin embargo, como sugiere el director de fotografía y educador Tal Lazar en su curso de MZed “El Lenguaje de la Iluminación”, el realismo no es la única gran fuerza que motiva la iluminación. La segunda es la historia, y la historia puede exigir algo completamente inesperado, raro e irracional.
No siempre fue así
Comencemos con el hecho de que esta demanda de realismo no siempre estuvo en el radar de la historia del cine. En las primeras películas de Hollywood, por lo general verás lo contrario. Por ejemplo, Tal Lazar nos muestra una escena de la película de 1942 “Mildred Pierce”. Puedes ver un par de imágenes fijas de la misma a continuación. ¿Puedes detectar algo extraño en la iluminación?
La primera toma es oscura y melancólica, lo que sugiere que casi no hay luz en la habitación detrás de Joan Crawford, que interpreta a la protagonista. Sin embargo, cuando se da la vuelta y entra (imagen 3), de repente está hermosamente iluminada. Y su primer plano tiene una iluminación suave y uniforme que viene desde un ángulo alto muy específico. No tiene sentido, ¿verdad? Bueno, eso se debe a que la única motivación para la luz aquí es la convención que existía en ese momento y que dictaba cómo se debía iluminar a la estrella, y específicamente a la estrella femenina. Por lo tanto, si ves películas antiguas, notarás que todos los primeros planos siguen el mismo diseño de iluminación.
Hoy en día, tenemos mucha más libertad. En la mayoría de los casos, los actores están bien incluso con una iluminación muy desagradable en sus rostros siempre que apoye la historia y la construcción de sus personajes. Y lo mismo ocurre con el público.
Luz desmotivada hoy
Como explica Tal en su curso, la historia no siempre requiere de realismo. Debido a que tenemos elementos como el subtexto, el viaje emocional de los personajes y el estado de ánimo subyacente, podemos decidir usar la luz para apoyarlos en lugar de emular la realidad. Aquí hay algunos fotogramas de la película dramática “Middle of Nowhere”, que ganó el premio Sundance a la mejor dirección..
¿Qué vemos aquí? Un momento simple: una familia reunida alrededor de la mesa para cenar. ¿Se siente como un encuentro amistoso y amoroso? Apuesto a que, incluso en imágenes fijas, no es así. Algunos ángulos muestran ventanas en el fondo, lo que sugiere una brillante luz del día en el exterior. Pero la oscuridad en el interior es inconsistente con eso. ¡Apenas vemos a algunos de los personajes! Las luces alrededor de la mesa se sienten artificiales y desagradables. Cuando la madre pregunta “¿por qué es tan doloroso tener una comida en familia?”, sabemos exactamente lo que quiere decir. La atmósfera creada por este diseño de iluminación poco realista (hasta cierto punto) respalda esta noción sin palabras.
El uso simbólico de la luz desmotivada
Tradicionalmente, la luz tiene un significado simbólico que representa la bondad moral y una fuerza que resiste la oscuridad malvada. Por lo tanto, podemos usarla para conectar a alguien o algo con este símbolo, tal como lo hace brillantemente Luc Besson en “Léon: The Professional”, la película que rompió muchos corazones y sigue en todas las listas de películas que hay que ver.
Al final del primer acto, vemos cómo la familia de Mathilda es masacrada. Cuando regresa a casa, encuentra a su hermano pequeño muerto en la puerta de su apartamento. Los asesinos siguen allí, así que tiene que pasar junto a su hermano para ir hasta la puerta del vecino. Nosotros, los espectadores, ya sabemos quién vive allí: un asesino profesional y recluso llamado Léon. Volvamos a ver juntos esta dolorosa escena, donde Mathilda le ruega que abra la puerta (a partir del minuto 02:00):
¿Qué vemos aquí? Después de luchar y cuestionarse sobre lo que debería hacer, Léon abre la puerta. Por un momento, Mathilda está literalmente bañada por una luz, una luz tan intensa que casi la ciega.
La fuente de luz no se puede explicar lógicamente, lo que le da a la escena una cualidad casi religiosa. Al estar asociado con un inexplicable torrente de luz, especialmente uno de este poder, el asesino se recalibra moralmente para el público.
Del libro “Cinematic Storytelling” de Jennifer Van Sijll
Luz en la cara sin motivo
Ambos ejemplos mencionados anteriormente son sutiles. Aunque la iluminación en ellos no es 100% realista ni motivada, no nos distrae de la escena. Por el contrario, apoya nuestra inmersión en la historia. Pero ¿y si el efecto perturbador es algo que buscamos? La película que inmediatamente me viene a la mente en este sentido es “Mandy”. En particular, la escena final en el auto donde el protagonista, delirante, ve a su esposa muerta sentada a su lado.
Sin duda, el personaje de Nicolas Cage se volvió loco después de todo el dolor, la rabia y los asesinatos por los que tuvo que pasar. También sabemos que está bajo los efectos del ácido en ese momento. El color rojo vibrante, combinado con una iluminación intensa y completamente desmotivada, nos golpea a nosotros, los espectadores, en la cara. La escena nos incomoda (como lo hace la película, para ser honestos), pero ¿no es la elección visual más audaz y adecuada para apoyar el estado de ánimo del personaje aquí?
Conclusión
Es muy importante motivar la luz y hacer que parezca realista y auténtica. Esa es una habilidad fundamental que todo diseñador de iluminación debería adquirir. Al mismo tiempo, también es importante recordar que puedes olvidarte de las convenciones cuando sientas que la historia requiere algo más. Como dice el dicho, conoce bien las reglas para poder romperlas de manera efectiva.
¿Y tú? ¿Qué opinas sobre la luz desmotivada? ¿Confías en ti mismo para optar por un efecto de iluminación poco plausible para realzar un momento emotivo o crear una determinada atmósfera en la escena? ¡Hablemos de ello en los comentarios a continuación!
Imagen destacada: fotogramas de la película “Léon: The Professional” de Luc Besson, 1994.
Descargo completo: MZed es propiedad de CineD
Fuente adicional: “Cinematic Storytelling” de Jennifer Van Sijll, 2005.
