No sería fantástico si siempre pudiéramos mirar desde arriba y observar nuestra situación desde una perspectiva diferente? En las películas, esto es posible con los planos cenitales, también conocidos como tomas desde arriba, vista de pájaro o vista de Dios. No son fáciles de ejecutar, pero son muy poderosas para encuadrar la historia. Esta perspectiva existe desde hace mucho tiempo, pero los cineastas aún encuentran nuevas formas creativas de utilizarla (si viste la toma inicial meticulosamente coreografiada de la reciente película “The Substance” que hizo mucho ruido, entonces sabes a qué me refiero). Analicemos juntos algunos de los increíbles planos cenitales, desde los más destacados hasta los más nuevos, y descubramos cómo mejoran la narración visual.
Lo bueno de los planos cenitales es que se pueden utilizar en una gran variedad de escenarios en los que se desean diversos impactos. No, no son solo una perspectiva general integral. No son un simple truco de magia ni un adorno para la vista. A continuación, te mostraremos exactamente cómo funcionan a nivel emocional y cómo afectan a nuestra percepción inconsciente. Así que vuela y trata de observar todo desde arriba, como lo hace una toma aérea.
¿Qué es una toma aérea?
La respuesta está en su nombre (o más bien, nombres en plural, ya que hemos mencionado varias variantes arriba). Sin embargo, para que quede totalmente claro, establezcamos una definición común. En el curso de MZed “Fundamentos de la Dirección”, el experimentado director y educador del Instituto Internacional de Cine de Nueva York, Kyle Wilamowski, ofrece lo siguiente:
Una vista aérea es una toma en la que la cámara está directamente sobre el sujeto, mirándolo directamente hacia abajo, como si fuera desde el punto de vista de un pájaro.
Imagina un ángulo alto clásico donde la cámara está por encima de la línea de los ojos de un personaje. Ahora, lleva la cámara más arriba, colócala sobre la cabeza y gírala hasta que alcance los 90°, apuntando hacia el suelo. Aquí tienes tu toma aérea.
Si bien el avance de los drones ofreció una forma nueva (y mucho más simple) de encuadrar una toma desde arriba, muchos cineastas aún dependen del equipo tradicional. Filmar una toma desde arriba implica muchos retos creativos y de aparejos, desde precauciones de seguridad y cuestiones de programación hasta limitaciones de locación. Además, una vista aérea es una perspectiva peculiar para el público, que por lo general puede generar una reacción fuerte. Por lo tanto, si decides encuadrar una toma desde arriba, debes saber por qué es necesaria para la historia. ¿Por qué la usarías?
Tomas desde arriba para movimientos complejos
La primera y más sencilla razón para usar una toma desde arriba podría ser orientar a los espectadores en el espacio y la acción compleja. Este enfoque nos recuerda a la perspectiva en tercera persona, que nos resulta familiar en los videojuegos. Crea cierta distancia emocional con lo que sucede en la pantalla y, al mismo tiempo, nos permite seguir la acción de manera meticulosa y no perdernos nada. A modo de ejemplo, aquí hay una pelea de escopetas ya famosa de “John Wick: Chapter 4”, que se estrenó en 2023:
Con una toma larga, perspectiva cenital y movimientos de cámara suaves, esta escena está casi tejida a partir de la estética de los videojuegos, ¿verdad? Eso no sucedió por casualidad. Todo el mundo de la franquicia de suspenso sobre un asesino a sueldo legendario tiene este look y crea esa sensación, por lo que no es de extrañar que también haya inspirado juegos exitosos.
Por supuesto, no es el único caso de uso de esta herramienta como elemento de estilización, especialmente en peleas. Si necesitas un ejemplo más “legendario”, siempre está “Kill Bill” de Quentin Tarantino.
Sueños y estados mentales alterados
Como ya comentamos anteriormente, la perspectiva cenital no nos resulta realmente natural a los humanos. No la experimentamos con la suficiente frecuencia en la vida real a menos que sea un mundo de sueños o un estado mental alterado, donde todos los ángulos extraños de repente se vuelven posibles. ¿Has adivinado qué escena cinematográfica icónica es un ejemplo perfecto? Esta escena de “American Beauty”.
El protagonista Lester, interpretado por Kevin Spacey, atraviesa una crisis de mediana edad y tiene fantasías sexuales con la mejor amiga de su hija adolescente. Se acuesta en la cama y mira al techo, pero en lugar del techo vemos a esta joven animadora en sus sueños. Ella es una fruta prohibida para él, pero ¿quién puede descubrir lo que sucede en su cabeza? El público. Ambos planos cenitales sugieren que estamos dentro de su imaginación. Es una herramienta visual verdaderamente elegante que muestra cómo sueña la gente. Cuando estamos cerca de quedarnos dormidos, vemos imágenes vívidas frente a nosotros, ¿no es así?
Otro ejemplo de insinuación de una secuencia de ensueño es de la película “Requiem for a Dream”. Aquí, la razón detrás del plano cenital es diferente, refleja el estado mental drogado de los personajes:
Podría haber sido una escena romántica clásica con una expresión de amor y gratitud, pero todos sabemos muy bien cómo terminó la relación de Harry y Sarah. El plano cenital es bastante desconcertante para el espectador. La cámara gira mientras la cabeza y los pensamientos giran, lejos de la realidad.
Conseguir una perspectiva objetiva con planos cenitales
En el cine, como en la literatura, existen diferentes tipos de narración que se pueden dividir en dos grandes grupos: la subjetiva y la objetiva (haz clic aquí para leer más sobre este tema). Nos involucramos emocionalmente en la historia cuando vemos de cerca los rostros de los personajes y observamos sus reacciones. Sin embargo, a veces es mejor para la película si permites que los espectadores se desconecten y adopten una perspectiva objetiva. Ahí es donde un plano cenital también puede ser de gran ayuda. Funciona como dar un paso atrás y mirar la situación desde un ángulo nuevo e inesperado. Cuanto más distancia ganes, más fácil será juzgar objetivamente las elecciones de los personajes. Échale un vistazo a este fotograma de la película “Fargo” de los hermanos Coen.
Ya analizamos este plano en relación con su falta de movimiento y espacio negativo. Pero, ¿qué nos dice la elección deliberada del ángulo de arriba hacia abajo? Vemos al personaje principal tal como es, llegando a una encrucijada tanto en el encuadre como en su historia. El público tiene un momento para dar un paso atrás y darse cuenta de lo que ha hecho: ¡ordenar el secuestro de su propia esposa para manipular a su suegro, solo para no cancelar todo!
Planos cenitales – empoderar al personaje
El ángulo de la cámara puede ayudar a enfatizar el juego de poder en la escena. La regla general es que ver a alguien desde abajo lo hace poderoso e importante, y ocurre lo mismo a la inversa: cuando la cámara mira a una persona desde arriba, parece pequeña y débil. Sin embargo, ese no es el caso con los planos cenitales (al menos, no siempre).
En “Fundamentos de la Dirección”, Kyle muestra la siguiente toma de “The Shawshank Redemption” como ejemplo, logrando el efecto opuesto. ¿Qué sientes cuando la miras?
Libertad. El personaje acaba de escapar de la prisión. Antes de esta escena, había salido arrastrándose del suelo. ¡Y aquí está, bajo la lluvia torrencial, alcanzando el cielo! Se siente bien y empoderador, y compartimos su euforia cuando él nos mira y nosotros lo miramos desde arriba.
Otro ejemplo en el que los planos cenitales se convierten en una herramienta para empoderar al personaje se ve en la serie “The Queen’s Gambit”, en mi opinión. Allí, la protagonista Beth Harmon, también ve cosas en el techo, pero esta vez no son sueños. Son su gran don. Todas las posibles combinaciones de ajedrez se desarrollan sobre su cabeza (y dentro de ella), lo que le permite ganar una partida tras otra. En la última y más importante partida de ajedrez, este elemento visual con toda la luz y el halo se siente incluso trascendente, como si hubiera ganado alguna conexión con lo divino:
Conexión con lo divino
Hablando de eso, no es una coincidencia que los planos cenitales también se llamen la vista del ojo de dios. Seguramente pueden crear en los espectadores la sensación de que existe una conexión con Dios, el universo, lo divino o alguna otra fuerza superior. Esta sensación se hace especialmente fuerte en las escenas en las que los personajes están muriendo. Por ejemplo, mira la famosa última toma de esta escena de “Blade Runner 2049” (a partir del minuto 01:48):
Es el final de K, interpretado por Ryan Gosling. Se encuentra tumbado en los escalones bajo la nieve que cae y luego lo vemos desde arriba como si su alma lo abandonara. También es un punto visual para la discusión central de la película, si los replicantes son humanos, si pueden sentir y tienen alma. No hay duda de que la tienen.
Otro ejemplo cinematográfico en el que los creadores utilizan en gran medida las tomas aéreas es “Midsommar”. En esta película de terror popular, la perspectiva desde arriba también sugiere una conexión con alguna fuerza superior, ya que se utiliza para representar todos los rituales (incluyendo la muerte, el nacimiento, el sexo, etc.). No se preocupen, solo incluyo las buenas imágenes fijas, pero si no han visto esta película, háganlo. Es una verdadera obra maestra.
Deja pasar el tiempo
Volviendo a la escena inicial de “The Substance”, creo que habla por sí sola. La única toma aérea nos cuenta la historia de la protagonista, Elisabeth Sparkle, sin ningún comentario o exposición, solo una imagen y la acción que la rodea. Se trata del camino de la fama de Elizabeth, que va desde convertirse en una estrella exitosa y querida por la multitud hasta desvanecerse con el tiempo y perder todo significado. Al final, es solo una estrella oxidada, impregnada en el asfalto, sobre la que la gente deja caer ocasionalmente sus hot dogs:
Desde esta perspectiva, su fama parece absolutamente insignificante en el gran esquema de las cosas, como en el viaje de cualquier ser humano. El tiempo vuela y, en algún momento, todos nos convertimos en polvo. Si quieren dar a entender este mensaje en una escena, la perspectiva de arriba hacia abajo definitivamente debería estar en tu lista de opciones visuales.
Estos fueron solo algunos de los efectos que las tomas aéreas son capaces de lograr. Podríamos seguir y seguir, pero mejor hablemos en los comentarios. ¿Por qué utilizarías una perspectiva de vista aérea en tu película o video? ¿Tienes otros ejemplos de películas favoritas que tengan un impacto diferente? ¡Compártelos con nosotros en los comentarios a continuación!
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Fuente de la imagen destacada: un collage de fotogramas de películas de “Requiem for a Dream” de Darren Aronofsky, 2000; “American Beauty” de Sam Mendes, 1999; la serie de Netflix “The Queen’s Gambit”, 2020; y “The Substance” de Coralie Fargeat, 2024.
