Has oído la regla “hazlo simple”? Sin embargo, en busca de una composición de toma impresionante, un bloqueo brillante y un movimiento de cámara alucinante, tendemos a olvidarnos de las herramientas más básicas de nuestro equipo cinematográfico. Seguramente todo el mundo sabe cómo fijar el enfoque correcto; Pero, no todo el mundo piensa en el increíble poder que posee para contar historias. Entonces, ¿por qué no apreciamos el enfoque en el cine y exploramos varias técnicas y razones para usarlo en diferentes videos?
Incluso si eres un profesional en el enfoque y sabes todo sobre el espacio profundo, el espacio plano, la poca profundidad de campo e incluso las dioptrías divididas, creo que es importante actualizar tus conocimientos de vez en cuando. En mi experiencia, es bastante común que elementos tan básicos como el punto focal se pasen por alto al crear el lenguaje visual de tu película. Para hablar sobre el tema, veremos algunos ejemplos de películas, incluyendo la última película de Christopher Nolan, “Oppenheimer”.
Entendiendo bien los términos: enfoque y profundidad de campo
Debido a que las cámaras del smartphone son una parte integral de nuestras vidas, hasta los niños saben lo que significa enfocar en el cine y la fotografía. Sin embargo, para entenderlo a un nivel más profundo, primero tenemos que hablar de la profundidad de campo. El director Kyle Wilamowski ofrece una explicación sencilla de este término en el curso de MZed “Fundamentos de la Dirección” :
La profundidad de campo es la distancia entre los objetos más cercanos y más lejanos de una escena que aparecen nítidos y enfocados en una imagen.
Kyle Wilamowski
Como ejemplo de baja profundidad de campo, Kyle nos muestra un fotograma de “The Master” con el personaje de Amy Adams en una toma de reacción. La atención se centra únicamente en su rostro, mientras que tanto el fondo como el primer plano están borrosos.
¿Cómo afecta al espectador? Naturalmente dirige nuestra atención hacia la mujer y sus emociones, mezclando todo lo demás. De esta manera, sentimos una conexión con ella sin distracciones (y si quieres desviar la mirada, nada de lo que veas estará enfocado).
Por el contrario, una gran profundidad de campo puede brindarnos mucha más información dentro de una imagen. Sin duda, el ejemplo más clásico sería el de “Citizen Kane”. El uso extensivo del enfoque profundo es una de las razones por las que el icónico drama de Orson Welles ganó su lugar en los libros de texto sobre cine, ¿no es así?
En esta escena vemos un pequeño acontecimiento –la firma de un contrato– pero que tiene una enorme importancia para la historia. Por esta razón, para Orson Welles era fundamental mostrar a cada personaje con nitidez, especialmente al niño que juega afuera, cuyo destino es definido en ese momento.
Usar el enfoque en una película para obtener más intensidad visual
Además de explicar los fundamentos del lenguaje de la cámara, Kyle Wilamowski nos recuerda que cada fotograma tiene su propia voz. Al tomar una decisión visual con el foco en la película, los anima a los cineastas a hacerse dos preguntas: en qué quieren centrarse y en qué no quieren centrarse, y en ambas situaciones “por qué”. Es tan simple como eso.
Bueno, en realidad ¿Es simple? Como todos sabemos, las películas son un medio bidimensional. Depende de nosotros decidir qué profundidad queremos transmitirle a la audiencia. Quizás estés familiarizado con el término “espacio profundo”, que se refiere a la ilusión de una imagen tridimensional creada mediante el uso de elementos especiales como la perspectiva o la diferencia de tamaño de los mismos objetos en el cuadro. Resulta que una vez que se difumina el fondo, se vuelve plano, y esto es lo opuesto al espacio profundo (también hay espacios “limitados” y “ambiguos” en la teoría del cine, pero ese es otro tema).
No es algo malo en sí mismo, ya que es posible que quieras contar tu historia sólo en planos de este tipo. A modo de ejemplo, esta constante espacial puede ser una elección perfecta para una película sobre una persona atrapada en una vida sin esperanza y sin forma de escapar.
Existen innumerables formas de crear un espacio plano en la toma, por ejemplo, eliminando la perspectiva del fondo como suele hacer Wes Anderson. Ahora bien, debes tener en cuenta que la poca profundidad de campo y los elementos desenfocados tendrán un efecto similar en el espectador.
¿Por qué es importante este conocimiento teórico? Para que te hagas una idea, piensa en cambiar deliberadamente el espacio de profundo a plano (o al revés) junto con la trama, a medida que evoluciona. Cuando se usa de esta manera, esta herramienta aumentará el contraste visual y, como resultado, intensificará enormemente la experiencia del espectador.
La respiración de enfoque y su significado
Esto nos lleva a otra técnica más, que probablemente todo cineasta conoce y utiliza. Se trata de un cambio de enfoque durante una toma: el focus pull o rack focus. Especialmente cuando está motivada por algo más (un personaje que gira la cabeza para mirar en otra dirección, un sonido en la distancia que llama nuestra atención, etc.), esta herramienta ayuda a manipular de forma natural el punto de enfoque del espectador. Pueden ver la escena ilustrativa de la película “The Young Victoria” que podría servir como clase magistral al respecto:
Ahora bien, esta no es la única técnica de la cual quería hablar. Si ya viste la última película de Christopher Nolan, “Oppenheimer”, habrás notado cómo el foco respira sutilmente en los planos centrales y primeros planos de los personajes. Algunos podrían decir que ocurre porque los lentes antiguos no pueden enfocar con tanta nitidez como los modernos. Sin embargo, creo que es una decisión deliberada mostrar cómo el protagonista (interpretado por Cillian Murphy) lucha por encontrar una base sólida en la realidad en la que vive. Dividido entre las difíciles decisiones que debería tomar, las responsabilidades que asume y las consecuencias que enfrentará, parece como si ligeramente se enfocara y desenfocara en su propia mente. Al menos, creo que esa interpretación se hace evidente durante su infame escena del discurso de victoria, donde Nolan lleva la respiración de enfoque al extremo.
Elegir el lente adecuado
Cuando hablamos de enfoque, no podemos ignorar el término “distancia focal”. Si quieres entenderlo con más detalle técnico, te recomiendo que veas nuestro curso para principiantes “Los Secretos de la Óptica”. Créeme, el experto Mitch Gross puede explicar este tema mucho mejor que yo.
Permítanme darles un consejo para elegir entre lentes fijos y de cine; este proviene del director de fotografía Alex Buono y sus lecciones sobre “El Arte de la Narración Visual”.
Ambos lentes que ves en la captura de pantalla anterior están hechos de vidrio hermoso y resistente. Entonces, ¿por qué elegirías uno por sobre el otro? Alex explica que la elección depende del arte de la producción. Si filmas solo, en estilo libre y en una sesión pequeña, lo más probable es que utilices lentes fijos porque son más livianos, más manejables y permiten cambios de enfoque rápidos. Cuando tienes una producción con un equipo más grande, un foquista a tu lado y tomas exigentes, definitivamente deberías optar por el estilo Cine que tienen cilindros más grandes y muchas marcas de enfoque, lo que te permite establecer un enfoque preciso y también cambiarlo más suavemente durante la filmación.
Dividir dioptrías y por qué puedes necesitarlas
Independientemente del lente que elijas (fijo o de cine), solo puedes mantener los objetos enfocados en un plano paralelo al sensor. Como mencionamos anteriormente, la profundidad de este plano puede variar. Puedes aumentarlo o disminuirlo eligiendo otra distancia focal, ajustando la apertura en la configuración (cuanto más amplia sea, menor será la profundidad de campo), usando una cámara con otro tamaño de sensor o cambiando la distancia al sujeto. Sin embargo, seguirás teniendo sólo un área de enfoque. ¿Y si quieres dos o más?
Esta pregunta llevó a los cineastas a idear un par de técnicas creativas. La impresionante solución integrada en la cámara, que apareció en el mundo allá por 1940, se llama dioptría dividida. Básicamente, es un lente de vidrio montado cuidadosamente frente al lente y que cubre solo la mitad (o una parte) de éste. De esta manera, puedes introducir un plano focal adicional a tu imagen. Obviamente, requiere de una colocación cuidadosa en el marco para que la unión entre los dos sea lo más fluida posible (y no como en el ejemplo de “Jaw” que podrás ver a continuación, aunque igualmente funciona según lo previsto). Una vez que lo consigues, el resultado es sorprendente: divide tu enfoque y la atención del público, dándoles a los espectadores una sensación muy intensa de experimentar algo que nunca podrían haber experimentado en la vida real.
Una alternativa a la división de dioptrías
Otra opción para conseguir este efecto (que probablemente hoy en día se utilice más) es componer dos planos en la postproducción. Desde que entramos en la era digital, esto es mucho más fácil de lograr. La idea es bloquear una toma y filmarla dos veces: primero con un sujeto o área enfocada, luego con otro. Unir esas dos tomas no es difícil y el resultado es tan impresionante como cuando se usa una dioptría dividida.
Este ejemplo de “Sucker Punch” parece una locura, ¿verdad? Lo más probable es que esa sea la intención. Internada en una institución mental después de sufrir una serie de abusos, la mente de esta protagonista intenta encontrar una estrategia para afrontarlo. Esto cambia la forma en que percibe el mundo que la rodea y el uso de un enfoque imposible aquí aumenta significativamente la narración visual.
El enfoque en el cine – el poder del por qué
Un plano focal, o más, son parte de una decisión creativa, así como qué tan superficial debe ser la profundidad de campo y dónde enfocar. No hay aciertos ni errores. Lo único importante es preguntarse por qué. ¿Por qué elijo uno sobre el otro? ¿Qué efecto tendrá en la historia y en la percepción que tiene el espectador de la escena? Recuerda que incluso si no abordas estas preguntas directamente, tus imágenes lo harán. ¿No es mejor tener control sobre el efecto que quieres crear?
¿Qué opinas? ¿Cómo decides qué profundidad de campo usar en una toma en particular? ¿Intentas encontrar un lenguaje visual para tus películas? ¿Alguna vez has usado dioptrías divididas? ¡Cuéntanos sobre el enfoque en el cine en los comentarios a continuación!
Imagen principal: fotograma de “Oppenheimer” de Christopher Nolan (2023).
Descargo completo: MZed es propiedad de CineD
Fuente adicional: “The Visual Story” de Bruce Block, segunda edición, 2008.
