確かに、映画は音楽なしでも成立する。無声映画の時代がそれを証明している。しかし、あなたのプロジェクトに作曲家が参加し、音楽を強力なストーリーテリングのツールに変えることができたら、どんなに嬉しいことだろう。物語に新たな要素を加えることが可能なのだ。映画音楽をナレーターとして使うすべてを紹介する。
最近、AI音楽ジェネレーターについて大きな議論がある。倫理的な問題だけではない。このまま開発が進めば、本物の作曲家は廃業するだろうと強く信じている人もいる。私はそうは思わない。もしあなたが音楽を、映像に軽いムードを加えるアンビエンスな曲としてしか見ていないのなら、そうかもしれない。しかし、それ以上のものが必要になれば、作曲家は人間でなければならなくなる。彼らはただ音符を組み合わせてメロディーやハーモニーを作るだけではない。彼らはストーリーを理解し、それを強化し、特定の場面で必要とされる感情に観客を導くのだ。
この記事では、映画音楽の作曲家たちの仕事ぶりを見ていこう。たとえあなたが自分で作曲する気がなくても（私はそうではない）、洞察に満ちた読み物であることに変わりはない。
ナレーターとしての歌詞
明白なことだが、重要なケースから始めよう。 歌詞のあるテーマや曲だ。映画の中のテキストと同様に、歌詞は視聴者に情報をもたらす。テーマを設定し、登場人物の内心を明らかにし、トーンを設定する。もちろん、そうでない場合もあるが、それでも視聴者に影響を与える。歌詞のある曲を選ぶときはいつでも、それが物語に別の要素を加えるものだということを忘れないでほしい。
このツールを使いこなす良い例は、「Apocalypse Now」の最初のシーンだ。この映画は、ドアーズの有名な曲 「The End 」で始まる。
まず第一に、ベトナム戦争時代のバンドであるドアーズは、この映画を歴史的に支えている。第二に、彼らの歌詞は、この映画が戦争に対する批判的な見方になることを最初から示唆している。また、映画の冒頭を 「This is the end.」（これが最後だ）という言葉で始めるというのも大胆な決断だ。『映画的ストーリーテリング』という本は、興味深い解釈をしている。
映画の冒頭に 「This is the end 」で始まる歌詞の歌を置くことで、狂った世界における善と悪、善と悪の逆転した感覚も示唆される。この逆転は、映画の他の場面でも絶えず繰り返される。例えば、主人公を初めて見るとき、彼はアップで逆さまになっている。これは、歌詞によってすでに確立されたテーマを解釈したものだ。
ジェニファー・ヴァン・シール著『シネマティック・ストーリーテリング』より
重要：もしあなたが脚本家で、歌詞のある既存の曲を使いたい場合は、まず権利を取得することが重要だ。
ナレーターとしての音楽：ハンス・ジマーのアプローチ
ポッドキャスト 「Team Deakins 」の中で、著名なハンス・ジマーは、彼がどのように様々な作品を作り、様々な監督とコラボレートしたかについて、たくさんのエピソードを語っている。その中のひとつが、『インセプション』での仕事だ。
クリストファー・ノーラン監督がアイスランドで撮影している間に、ハンス・ジマーはこの映画の音楽を書いていた。ハンスはそれまで何度も脚本を読み返していたので、ストーリーを熟知していた。撮影が終わると、作曲家は撮影したシークエンスを送ってほしいと頼んだが、クリスは送ってくれなかった。彼は、ショットやカットに自分の創造性を縛られたくないと言った。「まずスコアを完成させ、それから映像に合わせる。」ハンスの言葉を借りれば、彼は不機嫌になり、クリスにどのシーンのために作曲したかを告げずに送ることにした。しかし、最初のバージョンを一緒に見たとき、彼は心配になった。もし監督に彼のアイデアが伝わっていなかったらどうしよう。もし彼の音楽が間違った位置に配置されていたらどうしよう？そして、ハンスが思い出すあるシーンがあった：
コブの妻モルが窓辺に座り、自殺について語るシーンだ。ハンスは脚本にあった、彼女の靴が落ちる瞬間を思い出した。そこで彼は、小さなアクセント、音符、音色の変化など、このディテールを正確に音楽に書き込んだ。彼は、このシーンを実際に撮影したかどうかさえ知らなかった。しかし、最初のバージョンでも、その音符はその場所にあった。それは、彼の他の音楽と同じようにヒットした。
私にとって、これはストーリーを意識するあまり、ストーリーそのものになってしまったスコアの例だ。
直感的に語りかける音楽
映画音楽を作曲する、まったく異なるアプローチを見てみよう。『ツイン・ピークス』シリーズを見たことがあるなら、ローラ・パーマーのテーマを覚えているだろう。頭の奥に焼き付いているのではないだろうか？
続くビデオでは、作曲家のアンジェロ・バダラメンティがこの曲が生まれた経緯を語っている。彼は鍵盤の前に座っていた。監督のデヴィッド・リンチが彼の右側に座る。デヴィッドはよく作曲家の頭の中にイメージを浮かべ、雰囲気やシーンの展開を言葉で導いていた。「私たちは今、暗い森の中にいて、スズカケノキの木々の間から柔らかな風が吹いている……」と、キーボードから最初の音が生まれる。そしてデイヴィッドは、木々の向こうにいるとても悲しげで孤独な少女のイメージを付け加え、メロディーはゆっくりと変化していく。
瞬時にストーリーに沿った楽譜が出来上がる魔法のようなプロセスだ。まだこのビデオを見ていないなら、ぜひ見てほしい。
ナレーターとしての映画音楽：要素
作曲家たちはどのようにして音楽で私たちの心をつかむのだろうか？その理由のひとつは、彼ら自身の驚くべきストーリーテリングのスキルにある。そして音楽の仕組みを知っているからでもある。
MZed.comの包括的な「Cinema Sound 」コースでは、オーディオの第一人者であるマーク・エドワード・ルイスが、8つのモジュールを音楽とその創作に捧げ、技術的な細部にまで踏み込んでいる。
マークは、音楽がどのようにして観客にインパクトを与えるかを説明するために、それを3つの一般的な事柄に分類している。
- リズムは基本的に私たちの身体に影響を与える。私たちは強制的に動き出すか、本能的な 「戦うか逃げるか 」の反応に直面する。例えば、アフリカの儀式のダンスを考えてみてほしい。マークが語ったもうひとつの興味深い事実：テンポが異なると、聴衆の解剖学的反応も異なる。例えば150BPMは熱狂的なアクションシーンに最適だが、74BPMはセックスの平均テンポにほぼ相当するため、映画のストーリーをサポートすることができる。
- メロディーは 、脳と思考に働きかける。私たちをテーマ的な想起に駆り立てたり、頭の中でキャラクターや物語の一部分に立ち戻らせたりする。だからこそ、人物やストーリーにそれぞれのテーマを持たせることはとても有効なのだ。
- ハーモニーこそが感動をもたらす。私たちに「感じる」という概念を与えてくれる魔法の接着剤だ。
この3つを組み合わせて強い絆を作り出せば、音楽は語り始め、感情的な反応の扉を開く。そして、それは美しい旅となる。
まとめ
もしあなたが作曲家志望で技術的な知識を得たいのなら、MZedのコース 「Cinema Sound 」を受講することをお勧めする。マーク・エドワード・ルイスは、すべての用語（ステム、キュー、バーなど）を分かりカスク開設するだけでなく、多くの実践的な例を示してくれる。
画像：クリストファー・ノーラン監督『インセプション』（2010年）より。
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情報源：ジェニファー・ヴァン・シール著 「Cinematic Storytelling」、2005年。
