Netflixの『Adolescence』は4部構成のミニシリーズで、各エピソード（40～60分）はワンテイクで撮影されている。エピソード全体を長回しで撮影するということは、完全に台無しにしてしまうか、他に類を見ないほど没入感のあるものにするかのどちらかという挑戦だ。『Adolescence 』は、そのリスクを冒した。各エピソードはノーカットで撮影され、舞台裏では膨大な準備が行われた。では、彼らはどのようにしてそれを実現したのか？技術的な課題は何だったのか？
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まずはストーリーから。物語は、同級生殺害の容疑で逮捕された13歳の少年、ジェイミー・ミラー（演じているのはオーウェン・クーパー）を追っていく。第1話は、警察が彼の家宅捜索するところから始まり、警官たちがドアを破り、階段を上り、家族の前を通り過ぎてジェイミーを逮捕し、警察署で取り調べを受けるまでがリアルタイムで展開される。カメラは止まることなく、セリフ、場面転換、やりとりはすべて正確に演出されている。
たとえ物語に最初は惹かれなかったとしても、その撮影方法には惹かれるだろう。私は普段は一気見はしないのだが、『Adolescence』の4つのエピソードを一気に見てしまった。ストーリーにのめり込むまでに少し時間はかかったが、目をそらすことができなかった。撮影技術はそれ自体が一つのストーリーだった。例えば、第2話では、突然、自分が上から行動を見下ろしていることに気づいた。何かを見逃したのだろうか？ ドローン撮影？ このようなミッドショットをどのように撮影し、シームレスに保つのか？ Patthegripは、Instagramで、その方法を正確に示している。
DJI Ronin 4Dの登場
『Adolescence』の場合、ストーリー、つまり「なぜ」が「どのように」よりも重要だと私は考えている。それがすべてのクリエイティブな作業の核心であり、重要なことを伝えることだ。しかし、このケースでは、明確なビジョンと、それに追いつくことができるカメラがなければ、ストーリーを伝えることはできなかっただろう。あるいは、脚本家やクリエイターが意図したほどにはっきりと伝えることはできなかっただろう。そのカメラこそがDJI Ronin 4D（Ronin 4D 6Kのレビューはこちら、8Kバージョンのレビューはこちら：英語、ラボテストはこちら）だった。ジンバル、フォーカスプーラー、スタビライザーなど、従来の機材に頼るセットアップとは異なり、Ronin 4Dはフルフレームセンサー、LiDARオートフォーカス、4軸スタビライザーを搭載したオールインワンシステムだ。
最後のZ軸スタビライザーこそが、映像を滑らかにする鍵となった。撮影監督のマシュー・ルイスは、カメラ一つで学校の廊下や狭い階段を歩き回ることができた。ワイヤレスモニタリングにより、スタッフの人数を減らすことも可能になった。これは、クルーが人目につかないようにする必要があったため、非常に重要なことだった。
冒頭で
ジャック・ソーンは、（共同制作者兼共同脚本家であり、父親役も演じるスティーブン・グラハムとともに）この物語は「犯人捜し」ではなく、「理由探し」であると語っている。重要なのは、ジェイミーとその家族を「他人」としてではなく、自分たちとよく似た家族として認識することだ。しかし、視聴者とどうやってそのようなつながりを作るのか？YouTubeチャンネル「Still Watching Netflix」で、ソーンはワンカット形式が脚本家である彼にとって2つの基本的なことをしたと語っている。まず、舞台劇の手法に近い構造を強制したことだ。時間、場所、行動が途切れることなく1つの流れに限定される。この制約により、各エピソードはカットしたり視点を変えたりする自由がなく展開せざるを得なかった。
ワンテイク撮りの鍵 – 準備
『Adolescence』のようなプロジェクトに必要な準備は、一言で言えば「念入りに」だ。すべてのロケーションは詳細にマッピングされなければならなかった。俳優の動きをブロックすることなく、ショットを中断することなく場面転換を行うためにもだ。Screen Daily誌で、監督兼プロデューサーのフィリップ・バラントニは、マシュー・ルイスとともに、通常の制作よりもはるかに先を見越した計画を立て、警察署の縮尺模型などを使って事前にカメラの動きを検討し、物理的に可能なことを確認しなければならなかったと語っている。
各エピソードは3週間のブロックで撮影しました。私と俳優たちとのリハーサルに1週間、キャストとクルー全員による技術リハーサルに1週間、そして最終週には1日2テイクずつ撮影して合計10テイク。時には中断して最初からやり直すこともあり、その場合は1テイク分となるため、エピソードによっては16テイクまで撮影しました。最終的に採用されたのは、最後のテイクでした。
フィリップ・バラントニ
実は、最初のエピソードを除いて、すべてのエピソードで10回以上のテイクが必要だったことが判明した。
1回につき1時間かかる同じショットのテイク13までキャストやクルーが撮影しなければならないことがどれほど大変か想像できるだろうか？
『Adolescence』の意図
では、制作者たちは何を狙っていたのか。そして、なぜこの物語は視聴後もずっと心に残っているのだろうか。当初、スティーブン・グラハムは、1時間のショットを4つ用意して、いかに公平に物語を伝えるかという問題を提起した。しかし、ジャック・ソーンが『Still Watching Netflix』で述べているように、究極の問いは、「この少年はなぜこんな場所にいるのか？」ということだ。
前述の通り、この物語は、自分たちとよく似た家族に、このようなことが起こり得るのかを問いかける。そのために、映画制作者たちは一歩下がって見ることを選んだ。カットを入れず、何をどう感じればよいのかを指示する合図も入れず、操作もしない。その撮影方法のおかげで、視聴者である私は完全にその場に存在し続けることができた。その「その場にいる」感覚が、最終的に、『Adolescence』が伝えるストーリーをこれほどまでに力強くするのだ。
なぜ重要なのか
なぜ重要なのか。それは、会話はさまざまな場所で、さまざまな理由から始まるからだ。ソーシャルメディアを最近知ったばかりの幼い子どもの親であろうと、学校やアイデンティティについて模索しているティーンエイジャーであろうと（私は「incel：インセル」という言葉を思い浮かべた。これは私が聞いたことのない言葉だ）、Netflixの『Adolescence』は、その会話に参加する方法を与えてくれる。この作品は、このようなことが誰にも気づかれないように入り込むことができるのかと問いかける。いじめは誰もが耳にしたことがあるし、ソーシャルメディア上のネガティブな影響力を持つ人物についても認識している。しかし、『Adolescence』をあのような形で撮影したことで、私たちはどこにいても、そして何よりもリアルタイムで、この会話に参加することができるようになった。
では、自分自身に問いかけてみよう。私たちはいつ、どこで、自分たちや子供たちとこのような会話をするべきだろうか？ 私たちは家族や子供たち、学校を見て、自分たちは免れていると思うだろうか？自分たちにはこのようなことは決して起こらないとでも思っているのだろうか？ 『Adolescence』を観て、よく考えてほしい。
私たちの映画制作教育プラットフォームMZedでは、入念に計画されたワンショットを実行できるレベルに到達できるよう、数多くのコースを提供している。 推奨するコースは、Vincent LaforetのDirecting Motion、Alex BuonoのVisual Storytelling 2、Philip BloomのFilmmaking for Photographersだ。
