はじめに、光があった。光がなければ、ショットもシーンも映画もない。もちろん、真っ暗闇の中で物語を語ることもできるが、それは映画とはあまり関係がない。映像メディアには可視性が必要なのだ。もう一つの疑問は、なぜ重いランプやかさばるフィルム器具の代わりに実用的なライト（プラクティカル・ライト）を使わないのか、ということだ。そうすれば、制作面ではとても楽になるはずだ！撮影監督であり教育者でもあるタル・ラザールは、彼の最新のMZedコース “The Language of Lighting “の中で、この疑問に対する答えを1つだけでなく、たくさん持っている。彼のレッスンに参加して、映画用ライトを捨てて、プラクティカルなライティングだけを行ってもいいタイミングを見極めよう。
映画における現代の照明の常識は、すべて模倣である。つまり、映画製作者として、私たちの照明は、ほとんどすべてのシーンで自然で信憑性があると感じられるようにしなければならない。業界の部外者や初心者にとって、このプロセスはクレイジーに思えるかもしれない。ロケ現場でスタッフが窓をブラックアウトし、人工的な照明器具を使って柔らかく曇った外光をシミュレートしているのを初めて見たときのことを想像してみてほしい！
しかし、プラクティカル・ライトは両方の世界の何かを持っている。それらは完全に本物であるため自然であり、同時に撮影に映画のような特質をもたらすことができるのだ。
プラクティカル・ライトとは何か？
定義から始めよう。
プラクティカル・ライトとは、セットや登場人物の世界の一部となる照明器具のことである。
タル・ラザール、彼のコースからの引用
言い換えれば、プラクティカル・ライトとは、下のタルのセットアップのように、フレームの中に直接見える光源のことだ：
プロの映画制作に詳しくない人は、タルと背景はすべてこの2つのランプで照らされていると思うかもしれない。なぜそうではないのか？私だってそう思うだろう？もちろん、そうではない。このショットの照明セットアップの実態はこうだ：
マジックが起こるのは、このショットのクリエイターが自然光をうまくエミュレートしたからだ。彼らは適切な器具を選び、正しい位置と方向に設置し、色温度を合わせ、拡散を加え、光を形作り、セットの不要な部分から光をカットした。このような努力はすべて、光が2つの実用的なものから来ていると私たちの脳に信じ込ませるためのものだ！(その逆もまたしかりだが、それについてはまた後で話そう）。しかし、このままにしておいたらどうなるだろうか？
プラクティカル・ライトと映画のライト
もちろん、大きすぎたり、重すぎたり、高すぎたりするものもあるが、映画製作者が映画用ライトを使う理由はいくつかある。ベテランの撮影監督やライティングデザイナーなら間違いなく知っているだろう。ともあれ、タル・ラザーと一緒にこのことをもう一度考えてみよう：
- 上の例で見たように、強度の問題がある。映画の照明はもっと明るい。一般家庭の電球は60ワット程度だ。例えば、最大消費電力720WのAputure 600Dと比較してみてほしい。すべてのショットを暗くしたくないのであれば、撮影現場のいたるところでたくさんの実用的な照明が必要になるか、適切なエミュレーション技術と組み合わせて適切な映画用照明を使うかのどちらかだ。
- 映画用ライトを使えば、実用的なランプを使うよりもコントロールしやすい。映画用ライトは万能で、形を整えたり、色を変えたり、ディフュージョンを使ったりすることができる。一般的に、様々な方法で使用し、様々な効果を生み出すように設計されている。
- プラクティカルもプロダクションデザインの一部であることを忘れてはならない。また、ショットの美しいビジュアルコンポジションを実現するために、特定の方法で配置したい場合もあるだろう。しかしその場合、俳優を同時に照らすことはできない。(もし両立できるのであれば、いいことだ！）。
- ご存知の通り、実用的なライトの中には、ムービーカメラで使うとちらついたり、変な色になったりするものがある。(しかし、これを克服し、よりコントロールする方法として、電球を使った簡単なトリックがある。）
しかし、必ずしもそうとは限らない
さて、前のリストは、ムービーライトは何でもできて、どんなフィルムもそれを避けることはできないという印象を与えるかもしれない。それは真実ではない。多くの素晴らしい映画のシーンでは、実用的な照明だけが使われている。タル・ラザールの講座では、『007 スカイフォール』の例を紹介している。 Mの助手タナーがボンドをMI6の新しい場所に案内するシーンだ。長回しの連続テイクで、彼らは薄暗く狭いトンネルを通り抜けるが、フィルム・フィクスチャーのスペースも必要もない。それどころか、この明暗の波が全体のサスペンスと期待感を高めている。
正直なところ、撮影の第一人者であるロジャー・ディーキンスが、スペース不足のために実用的な撮影をせざるを得なかったのか、それともシーンの雰囲気を支えるために意図的にそうしたのかはわからない。照明のアプローチもクリエイティブな決定であり、技術的なものだけではないことを理解することが重要だ。
制限は強力なツールである
（私を含め）制限が創造的思考を促すと考える人もいる。クリエイターとして自分にルールや境界線を設定することで、脳は古い問題に対する新しい解決策を考案し始めるのだ。
だからこそ、照明をほぼ完全にコントロールでき、何の制限もないサウンドスタジオでは、照明がすぐに不自然に見え始めてしまうのだ（シットコムではそれをよく目にしてきた）。逆にロケでは、光源がフレームに入らないように、どこにどのように配置するかを考えなければならないことが多い。実用的なライティングだけにするのであれば、それはそれでチャレンジだが、クリエイティブなものであることは確かだ！その結果、『ノマドランド』のような魂のこもった自然主義的な映画撮影ができるかもしれない。
もうひとつ極端な方法がある。ラース・フォン・トリアー監督とトーマス・ヴィンターベア監督によって1995年に始まった前衛映画製作運動「ドグマ95」をご存知だろうか。彼らは、伝統的な価値観に基づいた映画を作り、特殊技術や付加要素、効果を一切排除することを宣言した。従って、ドグマ映画は、構築されたセット、外部小道具、人工照明、いかなるカメラリグ（手持ちのみ）の使用も制限され、その他すべてのルールに従わなければならなかった。
そこまでしなければならないとは言わないが、いくつかの制限は創造性を引き出す非常に強力なツールになり得る。
どう決断するか？
プラクティカル・ライトを使うか、映画のライトか、それとも両方の組み合わせか？シーンや状況はそれぞれ異なるので、正解はひとつではない。タル・ラザールが私たちに考慮するよう促しているのは、ライティングアプローチの決断は早急なものであってはならないということだ。どのようなセットアップを選んだとしても、それは結果であり、限界を意味する。撮影クルーの一員として、撮影前に他のチームメンバーと話し合い、全員が同じ見解を持てるようにする必要がある。
例えば、大きな映画用ライトを使う場合、予算、ロジスティックス、電気、クルーの人数などの問題が出てくる。また、一度次のシーンのために設置してしまうと、特に俳優がすでにセットに入っている場合は、素早く簡単に移動させることができない。プラクティカル・ライトを使うことは、別の問題を引き起こすかもしれない。例えば、予定外のスローモーション撮影は、ちらつきや実用照明のパワー不足のために不可能かもしれない。
私の意見では、両方を組み合わせるのが良い方法だと思う。プラクティカル・ライトは、構図に奥行きを与えたり、分離を作り出したり、ショット内のいくつかの要素を強調したりすることができる。また、私たちの脳に視覚的な情報を与えてくれる： 「見て！見て！光源がある」と。実際、エミュレートされた光がフレーム内のランプからきていると視聴者をだますのに役立つ（タルのセットアップを使った前回の例を覚えているだろうか？）
プラクティカル・ライトを向上させるヒント
最後に、プラクティカル・ライトを向上させるヒントをよりコントロールするための簡単なコツを紹介しよう。私のチームと私は、照明キットの中にスマートLED電球の予備をいくつか常備している（Aputure Accent B7cを使用）。これにより、フレーム内にもう1つ実用的な照明が必要だと判断した場合、セットで少し柔軟性を持たせることができる。DPや照明技師が行うのは、下の私の例のように、普通の電球の代わりにこの制御可能な電球を取り付けることだ。
特殊なLED電球を使えば、ちらつきを防ぎ、実用的な照明の色や明るさを簡単に変えることができる。ご覧のように、ワイド・ショットで面白いスタジオの雰囲気を作ることができ、クローズアップを照らすのに十分なカラフルな出力さえも得ることができた。
『The Language of Lighting』では、次のことも学べる。
プラクティカル・ライトであろうとなかろうと、美しい魅力的なショットを撮りたいのであれば、ストーリーをサポートする光のデザイン方法も理解すべきだ。これが、MZed.comのタル・ラザールのコース「The Language of Lighting」の主な焦点の一つである。彼は古典的な映画の例を分析し、さまざまな照明がどのような効果をもたらすかを紹介し、あらゆる技術的な疑問（拡散の使い方、正しい色温度の計算、参考画像を使った作業など）に深く切り込んでいく。
MZed Proには他に何がある？
MZed Proのメンバーになると、465時間以上の映画制作教育にアクセスできる。
月々わずか30ドル（年額349ドル）で受けられるものの内訳は以下の通り：
- 50以上のコース、800以上の質の高いレッスン、465時間以上の学習。
- ピューリッツァー賞やアカデミー賞を含む、数十年の経験と受賞歴のある教育者による高度なプロデュースコース。
- ARRIアカデミーのオンラインコースへの限定アクセス。
- 12ヶ月間、すべてのコンテンツを無制限にストリーミング視聴できる。
- MZed iOSアプリでオフラインでダウンロードと視聴ができる。
- ほとんどのコースで、修了時に業界認定の修了証が発行される。
- コースをそのまま購入すると9,000ドル以上かかる。
- コースのトピックには、撮影、監督、照明、カメラ、レンズ、プロデュース、インディーズ映画制作、脚本、編集、カラーグレーディング、オーディオ、スタント撮影、野生動物映画制作などが含まれる。
- 自分に合わないと判断した場合、7日間の返金保証がある。
- 初年度以降、年間更新価格は199ドルに下がる。
Full disclosure: MZed is owned by CineD
Feature image source: Tal Lazar/MZed.
