はっきり言おう：私はリハーサルの大ファンだ。長編映画でもミュージックビデオでも、あるいはコマーシャルでも、生身の人間と仕事をする限り、リハーサルは必要だ。リハーサルは楽しいだけでなく、トラブルシューティングの場でもある。シーンがセットでうまくいかなければ、絶望的だ。予行演習でうまくいかなければ、修正する方法は無数にある。当然ながら、すべての演技テクニックや演出スタイルを網羅できる記事はない。(それらを身につけるには長年の教育と経験が必要だ）。しかし私たちは、演出家が俳優とリハーサルをする際に使う簡単なヒントやエクササイズを集めることにした。特に、行き詰まったときや、ある演技がしっくりこない原因を突き止めたいときに便利だ。
最初の、そして最も重要なアドバイスはこうだ： 安全な環境を作ること。これが、リハーサルのプロセス（あるいは実際、俳優とのあらゆる共同作業）の理想的な始まり方だ。このヒントは、教科書や映画学校、あなたの常識の奥底など、あらゆるところで目にすることができる。MZedのコース “Short Films 101 “では、ベテランの映像クリエイターであるセス・ウォーリーが、シンプルかつ本質的な真実を思い出させてくれる：
だからこそ、監督として、彼らの状況を考慮しながら、自分がされたいのと同じように俳優と仕事をするべきだ。しかし、彼らの状況とは一体何なのだろうか？
なぜ安全な環境が重要なのか？
考えてみれば、俳優というのは非常に要求が高く、非常にエキサイティングで、非常に傷つきやすい仕事だ。見ず知らずの人たちの前で（時には）魂を切り裂かれ、彼らは自分の仕事を中断し、”カット！”と皆が聞くまで、全神経を集中してあなたを見ている。テイクに次ぐテイクだ。特に演出家と俳優がまだ絆を深めていない初回のリハーサルでは、恥ずかしくて恐ろしいのも無理はない。
だからこそ、責任者であるあなたの仕事は、出演者が安心できる環境を作ることなのだ。まず、すべての期待を消し去る。
あなたがみんなに送っている、とても強力なメッセージがある。それはこうだ： 「このプロセスを通じて、私たちはこういうやり方で仕事をしていく。探求する。最初の朗読から最後のテイクまで。理想的な演技はない。完璧な読み方や解釈もない。あるのは探求と発見だけだ。”
書籍 “The Film Director’s Bag of Tricks “より
意図的に下手な朗読や演技をする俳優はいないということを忘れないでほしい。彼らはプロフェッショナルであり、得た情報や指示に基づき、最高の仕事をしたいと望んでいる。だから、彼らの努力に感謝し、感謝の意を表し、批判を避け、他の誰かが注意をしようと決めたら、彼らのために立ち上がること。(理想的な世界では、監督以外がメモを取ることは許されないが）。あなたが成功すれば、この安全な場所は、俳優が心を開き、感情を開放し、自由に表現できる環境になるだろう。そしてそれこそが、リハーサル中に必要なことなのだ！なぜか？見てみよう。
俳優と一緒にリハーサルをすることは何の役に立つのか？
映画監督であり、MZedコースの著者でもあるルビディウム・ウーによると、「インディーズ映画の設計図」は以下のように書かれている： リハーサルは実験と解放の時間であるべきだという。この段階では、俳優と監督はキャラクターを理解し始めたに過ぎない。シーンについて話し合い、台詞の読み合わせをし、それぞれの瞬間にふさわしいエネルギーを見つけようとする。あなたの映画の世界はまだ若く、多くの可能性を秘めている！
リハーサルをしている間に、特定のシーンを構築するための新しく興味深い方法や、想像通りにいかない痛点を発見する。トラブルシューティングについて話したのを覚えているだろうか？
つまり、撮影現場ではトラブルシューティングに対処する余裕がないのだ。何十人もの人が立ち尽くし、最初のADが緊張して腕時計を見つめ、完璧な日差しが地平線の向こうにゆっくりと消えていくのを想像してみてほしい。このような状況を楽しめる人はいないと思う。
だからこそ、ルビウムが俳優とリハーサルをする際の主なコツは、いつも、ピンとこないセリフや、人工的だと感じる行動に気をつけることだ。何か違和感がある？それなら、もっと深く掘り下げて、サブテキストの領域に入る時だ。
サブテキストを扱うコツ
そう、偉大なるサブテキストだ！サブテキストについてはすでに一度話したが、撮影と演出の観点から見たものだ。しかし、私たち人間の発する言葉や行動の根底にあるものでもある。リハーサルでは、登場人物がその瞬間に目指す目的、行動、成果を明確に表現することで、シーンの各パートを綿密に釘付けにすることが、あなたと役者にとって不可欠なのだ。
各セリフ、各視線、各アクションには、定義された目的がなければならない。俳優は、それが誰に向けられたもので、彼のニーズが満たされているかどうかを知らなければならない。それぞれの定義には、(a)一人称の能動態（受動態ではない）動詞、(b)作用される人（または物）、(c)意図される効果、が含まれていなければならない。
書籍『演出 “映画の技法と美学 “』より
このようなサブテキストの定義の例としては、次のようなものがある： 「エヴァンを馬鹿にするのは、彼を数ランク下げるためだ。同時に、もっとシンプルで短いものを試すこともできる。そのキャラクターはこの状況で本当は何を言いたいのだろうか？お願い、聞いて」とか「あなたがどう反応するかとても怖い」とか？
さて、サブテキストがわかったところで、簡単かつ効果的な練習をしてみよう。俳優たちに、サブテキストを挿入した台詞をもう一度読んでもらう。そのシーンのサブテキストとなる台詞を1つ選び、台詞の最後に声に出して言うのだ。信じてほしい！普段は自分の中に隠しているサブテキストを口にし、耳にすることで、演技への影響は避けられないだろう。
この練習のさまざまなバリエーションを試すこともできる。例えば、シーンを読み直すが、サブテキストとなるセリフは変えるとか、俳優がその瞬間その瞬間で心に浮かぶ言葉を決めさせるなどだ。一般的に、サブテキストを使った作業は演出において素晴らしいツールである。別のものを提案することで、何かを簡単に微調整することができる： “後悔 “ではなく、”最後 “にドアを閉めてみてくれ。言葉の選び方については後述する。
特定のセリフがうまくいかない場合
サブテキストに取り組み、さまざまな練習を試みたが、ある頑固なセリフや行動が繰り返し真実味を帯びないとしよう。ご心配なく、役立つヒントがある。教科書では「抜き打ちチェック」と呼ばれている。リーディングやリハーサルを問題のある箇所で中断し、各役者にその瞬間のキャラクターの考え、恐れ、心象を尋ねる。
その答えを聞きながら、いくつかメモを取る。誤解はなかったか？誰かがサブテキストにない感情を無理に表現しようとしていなかったか？問題は集中力の欠如に起因していないか？俳優とすべて話し合い、そのシーンをもう一度やってみる。通常、このトリックは役に立つはずだ-少なくとも何が問題なのかを理解するためには。
台詞のリズムとエネルギーを変える
セリフや表情はすべて本物なのに、シーンのエネルギーが虚空に吸い込まれているように見えることがある。これは特にセリフでよく起こる。なぜかわかるだろうか？人間はあらゆる手段を使って不快感を回避するからだ。キューイングという概念は、俳優が自分のセリフを言う前に、相手が話し終わるまで待つというものだ。
しかし実生活では、私たちはこのような話し方はしない。私たちは常にお互いの言葉を切り取ったり、重ね合わせたりしている！編集者にとっては恐怖であり、最終的なカットで多くのダイナミクスが加えられることは理解している。しかし、このエネルギーを感じるには、まず俳優の中に火をつける必要がある。例えば、『ザ・ベアー』のエピソードで白熱した議論がどのように展開するか見てみよう：
この番組の編集についてはここに書いたが、台詞が常に重なることに対処しなければならなかったのは確かだ。しかし、このようなシーンのリズムとエネルギーを見てほしい！なんという本格的な効果を生み出しているのだろう！
編集者に余計な頭痛の種を届けたくないなら構わないが、シーンのエネルギーが正しく働かないリハーサルの時には、ぜひ試してみてほしい。ポーズ＆クリップ」というエクササイズがある。最初は俳優の一人に、同僚がセリフを言い終わった後、自分のセリフを言う前に黙って5つ数えるように頼むといい。シーンに感情を挿入することはなく、ただポーズをとるだけだが、このポーズが二人の俳優に大きな影響を与えることになる。すぐに答えが返ってくるという）期待と、すぐに返事をしたいという自然な欲求に対処することになる。そして、頭を使うことになる！
ダイナミクスに面白い変化をもたらすもう一つの方法は、キュー・ルールを破ることだ。俳優たちに、パートナーが言うセリフの最後の2～3語を切り取ってもらう。そしてシーンを観て、そのシーンがいかにせっかちで攻撃的なパワーを持つようになるかを楽しむのだ。
俳優とリハーサルをするとき、拍節にアクションを加える
俳優が正しいアイデアを思い浮かべながら演じているにもかかわらず、あまりに大雑把すぎるため、シーンが単調に感じられることがある。そこで必要なのが、それぞれの拍子に焦点を合わせることだ。具体的なアクションを加えるのもひとつの方法だ。
あなたが決めることだ： ターニングポイントでキャラクターが物理的にできること（軽率に立ち上がる、テーブルを叩く、一口飲む）を俳優と話し合うか、自分で人工的に活動を挿入する。例えば、女優に特定の台詞を聞いたら皿洗いをやめるように頼む。あるいは、重要な瞬間に部屋の中での位置を変えるように指示する。そしてそのシーンを何度も見て、追加されたビートが演技をどう変えるかを観察する。これらのアクションが撮影中ずっと固定されるべきだという意味ではない。しかし主に、シーンのリズムを見つけ、俳優にそれを感じさせるための手段なのだ。
言葉遣いが重要
リハーサルでも、指示の出し方には気を配るべきだ。ルビジウム・ウーは、レッスンで次のような表現を使うことを勧めている。”ねえ、こうしてみない？”。彼が説明するように、これは提案であって要求ではない。このような質問を投げかけることで、演技者は自分の頭の中にある結果を達成しようとするプレッシャーから解放される。
もうひとつ、セス・ウォーリーのアドバイスがある。彼は、形容詞の代わりに動作動詞を選ぶのが常に良いことを思い出させてくれる。
「彼女を威嚇する」というのは、「もっと怖くしよう」よりもずっと行動的な方向性だ。
セス・ウォーリーのコース “Short Films 101 “からの引用
少ない方がいいこともある。俳優の意図に緊急性を持たせたいだけなら、感情的な状況全体を説明するスピーチを延々と続ける必要はない。シンプルな一文で十分だ。例えば、ゲイリー・オールドマンがクリストファー・ノーラン監督の見事な演出として回想しているようなものだ：
アクションシーンのリハーサルで気をつけること
最後に、アクションや戦闘シーンのリハーサルについて話そう。MZed.comの “Selling the Punch “コースでは、スタント・コーディネーターのアメリカ・ヤングがこのプロセスについて彼女の洞察を語っている。
主なもののひとつは、新しいアイデアに対して常にオープンにしておくこと。もちろん、振り付け全体を綿密に計画していることもある。それでも、リハーサルに臨むときはそれを脇に置いておくこと。出演者と話し、シーンを一緒に見て、特定の瞬間に何をするか聞いてみよう。結局のところ、彼らはその真っ只中にいて（戦い、戦闘、スタント）、あなたが考えもしなかった行動を本能的に起こすかもしれないのだ。
例えば、ある短編映画のリハーサルを俳優たちと行っていたとき、アメリカは彼らの身長差がいかにシーンに貢献できるかに気づいた。彼らは一緒に、より自然に流れ、パフォーマーの強い面と弱い面の両方を考慮した戦いの振り付けを開発した。確かに当初のプランは変更されたが、同時により良いものになった。
また、安全上の理由から、スタントマンのフィードバックに耳を傾けることは特に重要だ。このトピックについては、こちらで徹底ガイドしている。
その他のクイックエクササイズ
もちろん、リハーサル中に試せるヒントやエクササイズは他にもたくさんある。それらの多くは、素早く、簡単で、合理的だ。例えば、俳優の一人が感情的な束縛を受けている場合、それを解放してあげよう。私に多くを与えてください！」と言って、一時的に彼らにオーバーアクトを全面的に許可するのだ。大げさな演技だけで封鎖が解けることもよくある。
もうひとつの簡単な練習法は、その場でパフォーマーの位置を変えることだ。台詞は続けさせるが、互いに背を向けて立たせる。片方が背を向けている間に、もう片方に話してもらう。演技のエネルギーがどのように変化するか、実験して観察してみよう。
Full disclosure: MZed is owned by CineD
その他の情報源
- 「演出： マイケル・ラビガー著「映画のテクニックと美学」2008年
- マーク・W・トラヴィス著 “The Film Director’s Bag of Tricks” 2011年
長編画像の出典 マッシャ・デイコヴァ
