「沈黙は金なり」と言われる。実生活では必ずしもそうとは限らないが、映画においては、沈黙は強力なストーリーテリングツールとなる。それはなぜか？
最初に免責事項がある。「沈黙 」とは 無声映画 のことではない。それは全く別の話題であり、映画の歴史の重要な部分だ。しかし今回は、抽象的な概念としての沈黙についてさまざまな角度から考察する。最初は少し抽象的に聞こえるかもしれないが、最後までお付き合いいただければ、あなたの映画、脚本、ストーリーに応用できる明確で実践的なテクニックを手に入れることができるだろう。
ストーリーテリングツールとしての沈黙のインパクト
俳優間のダイナミズムに何か違和感を覚えたときに、監督に試してもらいたい優れたエクササイズがある。(この種のテクニックについてはここでも説明するが、とにかくこのテクニックを紹介しよう）。セリフのシーンをリハーサルしていると想像してほしいが、なぜか登場人物が次々とセリフをこぼしているように聞こえる。緊張感がない。つながりがない。退屈だ。では、こうしてみよう。 俳優の一人を横に連れて行き、パートナーが話し終わって自分が返事をする前に、黙って5つ数えるように言う。シーンを繰り返し、すべてがどのように変化するかを観察する。
私たちは彼らに新しい指示は与えていない。感情をシーンに挿入することもなく、ただ沈黙を守った。しかし、それは二人の俳優に深い影響を与える。一方はパートナーが作り出す不快な間合いに対処しなければならず、もう一方はすぐに反応したいという衝動に駆られる。二人の顔、声、体、そしてエネルギーが変化するのがすぐにわかるだろう。なぜか？人間は不快感を避ける傾向があるからだ。対話における予期せぬ沈黙は、確かにとても不快なものであり、話す能力を妨げるものでもある。
ダイアログにおけるストーリーテリングツールとしての沈黙
台詞の間の長さは、演技だけでなく、そのシーンに対する視聴者の感情的な反応にも影響を与える。ウィーンで撮影された 「Nelly’s Story 」という短編の学生映画を見たとき、やや不安になったのはそのためだ。YouTubeのタイトルには 「ある子供インフルエンサーについての 」短編と書かれているが、それ以上に多くのストーリーの層を発見することができる。もしあなたに19分の時間があるなら、この映画を見て、制作者たちが緊張感を高めるために使っているツールに注目することをお勧めする。そのひとつが沈黙だ。母親が状況をよく理解できなかったり、質問に対してすぐに答えられなかったりするときの台詞の中の沈黙である。しかし、それはまた別の質の沈黙でもある…。
物語を語らず、私に物語を語れ
…つまり、現実の、根底にある、すべてを飲み込むような葛藤について語ることを避けているのだ。この短編映画が、絶妙のタイミングで雪だるま式に緊張を高め、母親にとって耐え難い状況を作り出していることに気づいただろうか？まずドアの鍵が閉まり、鍵屋が警察を呼び、警察官が今度は消防士を巻き込む。主人公はパニックに陥っている。しかし、何が彼女をこのような状態にしたのだろうか？表面的なものだけだろうか？いや、彼女の問題はもっと深い。彼女は娘と話すことができないか、父親との別れの話題を避けているのだ。視聴者である私たちはそのことにずっと気づいているのだが、登場人物たちはそれを口に出さずにいる。
重要なことについて話すのではなく、むしろ話さない？何かを思い出す。ああそうだ、「偉大で恐ろしい」サブテキストだ。
サブテキストに触れる
最近、効果的な対話について書き、いくつかの例を挙げた。そのひとつが、サブテキストの巨匠、クエンティン・タランティーノのものだ。覚えているかもしれないが、『パルプ・フィクション』では、彼の登場人物は周りで起こっている残酷なことや血なまぐさいことについてはまったく語らず、むしろハンバーガーや聖書などについて語る。しかし、彼の他の映画『Inglorious Basterds』では、その根底にあるサブテキストがドラマを私たちに強く訴えかけてくる。例えば、下のシーンだ。一見すると、ミルクやネズミなどの他愛のない会話が、作り笑いに包まれ、クリストフ・ヴァルツの親しみやすい口調で交わされているように見えるかもしれない。しかし、何が危機に瀕しているのかを知るにつれ、このシーンは見るに耐えないほど緊迫したものに感じられる。
Iベテランの映画監督であり、映画学校の講師でもあるタル・ラザールは、MZedの講座「監督のための映画撮影法」の中で、サブテキストについても触れている。彼はプロットとストーリーの違いを説明する。プロットとは、原因と結果によってつながった一連の出来事であるのに対し、ストーリーとはもっと深いものだ。
ストーリーや、特定の時間や場所のどこかで始まり、どこかに到達する意味のある一連の出来事は、しばしばサブテキストと呼ばれる。
タルが説明するように、優れた映画はプロットよりもむしろストーリーを語るように撮影している。中心的な考え方は、言葉を使わずにキャラクターの内面的な状態（と成長）を伝える効果的なイメージを構築するということだ。どうやるのか？それは、ここや ここでも触れている別の話題だ。しかし、ストーリーテリングのツールとしての沈黙と、視覚的なサブテキストは、しばしば密接に関係しているようだ。
ストーリーテリングのツールとしての沈黙
もちろん、「音がないこと 」のように、より文字通りの観点から沈黙を観察することもできる。例として『スター・ウォーズ エピソード8／最後のジェダイ』のその後のシーンをもう一度見てみよう：
最後の瞬間、ホルド副提督（レジスタンスの司令官）は敵の旗艦を光速で切り裂く。ファーストオーダーの艦隊を無力化するための彼女の犠牲だ。力強く、かなり感動的な瞬間だ。「スター・ウォーズ』には通常、荘厳なスコアと大音量の特徴的な効果音で構成された強大な音風景があるが、爆発が起きると、すべてが突然静寂に包まれる。私たちは、何の音もなく、次から次へと船が爆破され、炎に包まれる様子を観察し、思わず息をのむ。このコントラスト（視覚と聴覚、そして以前と現在の感じ方）が、このシーンをよりドラマチックなものにし、私たちの記憶に間違いなく残っている。
音楽を付けるか、付けないか？
文字通りの静寂に根ざしたもう一つのテクニックは、音楽がないことだ。作曲家がうまく仕事をしたなら、観客は音楽に気づかないだろう。カメラの動きや演技と同じように、音楽もストーリーの有機的な一部となるからだ。そのため、音楽がないとき、私たちは無意識のうちに「何かが違う」と感じるのだ。静かだ。奇妙だ。緊張している。『ノー・カントリー・フォー・オールドメン』を考えてみよう。122分間、BGMは一切なく、それが物語全体の緊張感を高めている。
なぜか？突然、私たちは映画を現実に近いものとして認識する。「普通の」生活では、ストーリーを微妙に推し進めたり、浮かび上がる感情を強調したりするような楽譜はない。だから、没入感を高めたり、あるシーンを強調して感じさせたいなら試してみてほしい。例えば、サイコホラー『ブレア・ウィッチ・プロジェクト』では、このトリックが見事に機能している。この映画は概してドキュメンタリーの雰囲気があり、手持ちで「パパ・カム」風に撮影されている。同時に、ありきたりのホラー／スリラー・スコアがないことが、この映画をより怖くしている。
ルールと制限が創造性を高める
ラース・フォン・トリアー監督とトーマス・ヴィンターベア監督によって創設されたデンマークの映画製作運動「ドグマ95」を思い出す。彼らの目標は、ストーリー、テーマ、演技という伝統的な価値観に基づいた映画を作る一方で、技術的な支援（例えば、人工照明やあらゆるカメラ安定化システム）や特殊効果を排除することだった。そのために、彼らはマニフェストを書き、もし自分の映画が「ドグマ」映画として認められたいのであれば、従うべきルールを定めた。そのルールのひとつはこうだ： 「音楽は、そのシーンが撮影されている場所以外で使用してはならない 」というものだ。多くの場合、制限は創造性にとって素晴らしいものだ。制約があることで、私たちは別の解決策を探すようになり、それが隠れた宝物につながることもある。
長編画像出典：リアン・ジョンソン監督『スター・ウォーズ エピソード8／最後のジェダイ』（2017年）より。
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追加出典： マーク・W・トラヴィス著 「The Film Director’s Bag of Tricks」, 2011
