ドリーズーム、ゾリー、めまいショット……1958年にアルフレッド・ヒッチコックによって考案されたこの変わったテクニックには、千の名前があるように感じる。どう呼ぼうと勝手だが、65年経った今でも、見る者に独特のドラマチックなインパクトを与える。間違いなく、あなたは何度もめまい効果を目の当たりにしているはずだ。しかし、ここでは映画の例を分析するだけにとどまらない。ここでは、映画におけるドリー・ズームの正しい使い方について話し、現代の映画がこの映画的なツールを獲得し、発展させる新しい方法を見ていく。
根っからの実験家であり、サスペンスの巨匠として広く知られるヒッチコックは、1940年の『レベッカ』の撮影中にドリー・ズーム撮影を最初に思いついたと言われている。しかし当時、彼は技術的なコツをつかむことができなかった。そのため、この驚異的な発明はわずか18年後、パラマウントの2班カメラマン、アーミン・ロバーツの手に渡った。あるパーティーの席で監督が彼に声をかけ、酔っているような感覚を伝えられるようなショットを作りたいと協力を求めたという逸話がある。真偽のほどはともかく、ヒッチコックの発案によって、映画撮影のテーブルにまったく新しい道具がもたらされ、彼の名は永遠に語り継がれることになった。
ドリーから始める
しかし、ヒッチコックの力強いショットの作り方や使うタイミングについてのトリックに話を進める前に、一歩引いて考えてみよう。あらゆる複雑なカメラモーションは（そしてこのモーションは間違いなく、難解なモーションのひとつだ）、シンプルで基本的な動きで構成されている。それゆえ、映画制作のキャリアをスタートさせたばかりの方は、まずこれらの動きに関する徹底的なガイドをお読みいただきたい。
その名の通り、ドリーズームにはドリーとズームがある。通常、”ドリー “とは、トラックまたは車輪の上にあり、カメラを様々な方向（左右、前後、またはそれらの組み合わせ）に動かすことができる装置のことを指す。しかし、めまいの撮影では、いわゆるプッシュインかプルアウトしか使わない。前者は、カメラが対象物に向かって近づき、視野が狭くなることを意味する。後者は逆のプロセスを意味する。時には、両方をシークエンスに組み込むことで、意味のある組み合わせになることもある。
ある場所で1つの物体をプッシュ・インし、別の場所で同一または類似の物体をプル・アウトするのは、定番のテクニックだ。多くの場合、ロケの出入りのためにエフェクトとして使われるだけである。しかし、ドラマチックな目的で使われることもあり、そのひとつが比較である。
『シネマティック・ストーリーテリング』からの引用
この『ファーゴ』の例では、深夜にテレビを見ている2組の全く異なるカップルが描かれている。両方のショットをつなぐオブジェクトとしてテレビを使うことで、環境と登場人物の間に必要なコントラストを設定している。
第2の基本動作としてのズーム
2つ目の基本要素はズームだ。MZedのコース “Fundamentals of Directing “から、この動きの簡単な定義を紹介しよう：
この意味がわかるだろうか？ズームインやズームアウトをすると、ドリーのように視野が変わり、対象物に近づいたり遠ざかったりする。しかし、ズームはレンズ単体の動きなので、カメラの位置は撮影中ずっと変わらない。
この2つの動きは似たような目的を持っているかもしれないが、その影響は大きく異なる。古典的な映画理論の本を読むと、ズームはドリーインやドリーアウトよりも視覚的な強度が低いと書かれている。なぜか？ズームレンズは、フレーム内のすべての物体をまったく同じ割合で拡大または縮小するからだ。
ズーム撮影では、前景と背景のオブジェクトの間に相対的なサイズや速度の変化はない。ドリー、特にワイドレンズでは、物体の相対的な大きさや速度の変化が生じるため、より視覚的な強度が増す。
書籍 “The Visual Story “からの引用
もちろん、これは常に正しいとは限らない。このルールの例外はスナップズーム（またはクラッシュズームと呼ぶ人もいる）で、これは本当に強烈に感じることができる。何のことかわかるだろうか？もしわからないなら、クラッシュズームの名手として名高いクエンティン・タランティーノの謙虚なコレクションを紹介しよう：
強烈なショットのためのズームバリエーションのもう一つの例は、何だと思う？ドリー・ズームだ。
映画におけるドリー・ズームとは何か？
ヒッチコックが考えたのはまさにそれだろう： “ドリーとズームが似たような目的を持っているが、異なる強度を提供するのであれば、それらを組み合わせたらどうなるだろう？”と。憶測に過ぎないが。いずれにせよ、彼がカメラ内で達成した効果は、通常の視覚認識を変化させ、めまいがするような幻惑的な効果を生み出す。
このテクニックの背景にあるアイデアは、対象物や人物をズームアップすると同時に、カメラはドリー・アウトする、あるいはその逆である。このショットの古典的な形式では、撮影監督は被写体の大きさを維持し、動き全体を通してピントを合わせ続ける。これによって遠近感の歪みが生じ、背景の大きさが変わって急に近くなったり遠くなったりするように感じられる–ちょうど『めまい』の有名な階段のシーンのように：
レンズの前にキャラクターがいる場合、ドリー・ズームは、キャラクターが静止したまま空間を突き進んでいるような感覚を作り出す。スピルバーグ監督の『ジョーズ』で、サメに襲われた警察署長マーティン・ブロディの反応をゾーリーが強調する有名な例をご存じだろう：
この場合、カメラは彼の絶望的な表情に迫り、背景は彼に押し込められているように見える。通常、このような効果を得るために、映画制作者は50mm以上の望遠レンズを使い、フォーカスを失うことなくズームインまたはズームアウトすることで、より大きな遠近感の変化を作り出す。
このテクニックの劇的価値
『めまい』以来、私たちは古い映画から現代映画まで、数多くの映画でドリー・ズームを目にしてきた。しかし、なぜなのか？どんなときに使うと効果的なのか？
上の例でお気づきのように、この技法は非常に特殊なめまいと不安感を生み出す。私たちの目は通常、大きさと遠近感の両方を手がかりにして（これについてもここで説明する）、空間の中で自分の方向を決めている。物体の大きさは変わらないのに、突然遠近感がずれると、私たちにはなじみがなく、非現実的であるため、強い感情的反応を引き起こす。
つまり、ほとんどの場合、視覚的な歪みは、画面上の人物が経験しているのと同じ馴染みのなさを強調しているのだ。それは『ジョーズ』の例のように突然の衝撃的な気づきかもしれないし、恐怖や不安の強烈な瞬間かもしれない。また、被写界深度が急激に狭まり、登場人物に迫ってくると、誰かや何かから逃れられない閉所恐怖症のような感覚を伝えることもある。
観客の感情を利用して、このショットを純粋なサスペンスに使ったり、何か邪悪なものを予感させたり、トーンの変化を示すために使ったりすることもできる。ピーター・ジャクソンが『ロード・オブ・ザ・リング』でドリー・ズームを使ったのはその好例だ： 『ロード・オブ・ザ・リング／指輪の仲間』では、ピーター・ジャクソンがドリー・ズームを使い、黒い騎兵ナズグルがやってくることを知らせている：
余談だが、めまい効果は非常に微妙で、ほとんど見えないこともある。緩やかなペースで、あるいはフォーカスを最小限の調整で導入すれば、過度に目立つことなく、夢のようなシュールな感覚を呼び起こすことができる。例えば、タランティーノは次の『パルプ・フィクション』のシーンの最後（03:11）で小さなドリー・ズームを使い、ドラッグが完全に効いてしまったミアの視点がどのように変化するかを伝えている：
映画でドリー・ズームを正しく使うには？
ドリー・ズームは、あなたの今後のプロジェクトにとって素晴らしいアイデアに思えるかもしれないが、注意してほしい。MZed.comのコース “Vincent Laforet’s Directing Motion “では、ドリー・ズームの正しいやり方と避けるべきミスをステップ・バイ・ステップで紹介している。
著名なディレクター兼フォトグラファーのヴァンサン・ラフォレ氏は、このプロセスで最も重要なステップは、正しいアライメントを達成することだと説明する。ドリーの軌道とカメラの方向が完全に一直線になり、ピントを合わせたい対象物やキャラクターに対して絶対にまっすぐでなければならない。次に動きを試してみよう。ティルトやパンが必要なら、戻ってリセットする。最良のシナリオでは、移動中にカメラを動かしてはいけない。
わかっただろうか？次に、被写体をフレーム内に完全にセンタリングし、可能な限り焦点距離を広げる。これをポジションAとし、ドリーグリップとピントプーラーに印をつける。グリースペンシル（または似たようなもの）でモニターにも印をつける。ヴィンセントによると、カメラの前に人がいる場合は、その人の肩幅に印をつけるのがコツだという：
次のステップはフィニッシュポイントの設定だ。マークとアライメントが正しいことを確認したら、ズームインして、人物の肩幅がちょうど2つのマーク内に収まるまでドリーを引く。ここからが一番難しいところだ。
Zollyをシームレスに行うには、絶え間ない動きと全員の息が合っていることが必要だ。ドリー・グリップができる限り安定して引き出される間、DPはズームインし、カメラをまっすぐに保ち、俳優の肩がずっとマーク上にあるようにする。最初のACは被写体をシャープに保つためにフォーカスを引く。トリッキーなので、何度も練習すること。最初は半分のスピードで、それからどんどん速くしていく。ヴァンサン・ラフォレによると、ドリーが一定で、何があっても、DPに必要な修正を任せることが助けになる。また、フォローフォーカスではなく、ズームにモーターをつけることも、撮影を格段にスムーズにする。
Zollyの現代的な例
現在、ドリー・ズームは映画ではあまり見かけないが、様々な映画やビデオで時折見かける。『ウィッチャー』や『ピーキー・ブラインダーズ』のようなシリーズでも、特別な瞬間にZollyを使うことがある。
時には、かなり古典的な使われ方をすることもある。『スクイッド・ゲーム』の例を見てみよう。主人公が、最も困難な仕事を任され、死が迫る重大なリスクに直面していることを知る：
ここで興味深いのは、ドリーが押し出すよりもカメラがズームインすることだ。これは、ミドルショットからクローズアップへのスムーズな切り替えであり、人物の顔と感情を強調している。
ドリー・ズームをかなり型破りに使っている現代的な例としては、ベン・スティラーの『セブランス』シリーズがある。クリエイターたちは、誰かがエレベーターに乗るたびにこのエフェクトを適用し、断絶した2つの世界の移行を表現している：
クローズアップで焦点距離が変化するため、エレベーターに乗っている間に登場人物の顔の形も変化しているように見えるのだ。非常にスマートなストーリーテリングだと思う。めまいのような不安感はないが、ここで何かが起こっていることは確かだ。映画製作者たちはまた、このショットを実行する不思議なほど現代的な方法を見つけ、半分人間、半分自動化された操作にした：
既成概念にとらわれない
最後の例は、アカデミー賞を受賞したダニエルズ監督の奇想天外なコメディドラマ『Everywhere All at Once』からのものだ：具体的には、公式予告編の00:29にあるような、異なる節間の様式化されたトランジションからだ。
でもマッシャ、ドリーズームじゃない、グリーン・スクリーンだと言うかもしれない！- と言うかもしれないが、それは間違いではない。しかし、これらのショットはZollyと、通常Zollyが作り出す背景の視覚的な歪みにインスパイアされているように見える。『エブリシング・エブリウェア・オール・アット・ワンス』は、ミシェル・ヨーのキャラクターに文字通り空間を飛び回らせるという、旧来の手法を超えたものだ。伝統的な映画の手法にクールなひねりを加えていると思わないだろうか？
これをきっかけに、伝統的なカメラの動きを見直して、誰も思いつかなかったようなアプローチを見つけてほしい。あるいは、あなたのプロジェクトでドリー・ズームを作ることを楽しんでほしい。すでに実行したことがある？初心者と共有できるヒントやコツは？あなたが本当に好きな映画の例は他にある？下のコメントで話そう！
Full disclosure: MZed is owned by CineD
Additional sources:
- “The Visual Story” by Bruce Block, second edition, 2008;
- “Cinematic Storytelling” by Jennifer Van Sijll, 2005.
Feature image source: film stills from „Jaws” by Steven Spielberg, 1975, and from “Severance” by Ben Stiller, 2022
