照明とは、被写体を際立たせるものでなければならない。我々はすでにそれについて、そしてそれを達成する方法について多くのことを話してきた。結局のところ、光をエミュレートすることは照明デザイナーにとって重要なスキルなのだ。しかし、ルールを破るのはどうだろう？消極的な照明をストーリーテリングのツールとして意図的に使いたいとしたらどうだろう？このミッションに役立ちそうな例をいくつか見てみよう。
他の多くの映像クリエイターと同様、私はすべての機材がストーリーを創り出していると心から信じている。もちろん照明も例外ではない。積極的に使えば、観客が気を散らすことなく、制作者が創り上げた世界に没頭できる。しかし、もし気が散ることが意図されていたり、どうしても必要だったりしたらどうだろう？
積極的な照明と消極的な照明
積極的な照明というのは、信ぴょう性のある照明、まとまりのある照明、本格的な照明のことを指す。要するに、撮影の中で正当化できる照明のことだ。例えば、背景を照らしたい場合、フレーム内に小さなランプを置くことで、それが必要な光を放っているように錯覚させることができる。また、常識に頼る場合もある。部屋に窓があり、視聴者がそれを知っていれば、その方向から俳優の顔に日光が降り注いでいると信じるだろう。
もちろん、自然光が最も信憑性が高く、私たちもそれを使うことができるのは確かだが、すべての場合というわけではない。(なぜそうなのかについては、こちらと こちらを参照）だから、セットを照らし、適正な露出を得るために照明をあてるときは、できるだけその状況に適した光を表現するようにするのだ。こうすることで、観客はスムースに映像の中に入っていける。
消極的な照明とは、その名の通り正反対のものだ。光が不規則に感じられたり、変な角度から来たり、明るすぎたり、状況にまったく合っていないシーンを想像してみてほしい。それでは気が散ってしまうだろう？少なくとも、映画の世界にリアリズムを加えることはできないだろう。
しかし、撮影監督であり教育者でもあるタル・ラザールが彼のMZedコース「The Language of Lighting」で示唆しているように、必要なものはリアリズムだけではない。2つ目はストーリーで、ストーリーはまったく予想外の、珍しい、非合理的なものを求めることがある。
いつもそうだったわけではない
映画製作の歴史において、リアリズムが常に要求されていたわけではないという事実から始めよう。初期のハリウッド映画では、しばしばその逆が見られる。例えば、タル・ラザールは1942年の映画「ミルドレッド・ピアース 」のワンシーンを見せてくれる。下の静止画を見てほしい。照明が何か変だとわかるだろうか？
最初のショットは暗く不気味で、主人公を演じるジョーン・クロフォードの背後の部屋にはほとんど光がないことを示唆している。しかし、彼女が振り返って中に入ると（写真3）、突然明るく照らされる。そして彼女のアップのショットは、非常に特殊なハイアングルから柔らかく均一な照明が当てられている。意味がわからないだろう？というのも、ここでの照明の唯一の理由は、当時存在したスター、特に女性スターがどのように照らされるべきかを規定した慣習だからだ。したがって、古い映画を見れば、すべてのアップのショットが同じ照明手法に従っていることに気づくだろう。
今は、もっと自由がきく。たいていの場合、俳優たちは、ストーリーとキャラクター作りをサポートする限り、美しく見える照明でなくても構わない。観客も同様だ。
現代の消極的な照明
タルが彼の講座で説明しているように、ストーリーとリアリズムは必ずしもイコールではない。サブテキスト、登場人物の感情の旅、根底にあるムードといったものがあるからこそ、現実を模倣するのではなく、それらをサポートするために照明を使うことを決めることができるのだ。サンダンス映画祭で監督賞を受賞したドラマ『Middle of Nowhere』のスチール写真をいくつか紹介しよう。
私たちはここで何を感じるだろうか？家族が食卓を囲んでいるシンプルな瞬間だ。しかし、それが友好的で愛情に満ちた時間のように感じられるだろうか？静止画で見ても、そうではないだろう。他のアングルでは背景に窓があり、外の明るい日差しを示唆している。しかし、室内の暗さはそれと矛盾している。登場人物の何人かはほとんど見えない。テーブルの周りの明かりは人工的で不快に感じる。母親が「家族で食事をすることがなぜこんなに苦痛なのか」と尋ねるとき、私たちは彼女が何を言いたいのかよくわかる。この非現実的な（ある程度）照明デザインによって醸し出される雰囲気が、言葉なしにこの概念を支えている。
消極的な照明の象徴的使用
伝統的に、照明は道徳的な善と邪悪な闇に立ち向かう力を象徴する。だから、リュック・ベッソンが『レオン：プロフェッショナル』で見事にやってのけたように、誰かや何かをこのシンボルに結びつけるために使うことができる。
第1幕の最後で、私たちはマチルダの家族が虐殺されるのを見る。彼女が家に戻ると、アパートの開け放たれたドアの中で幼い弟が死んでいた。犯人たちはまだそこにいるので、彼女は弟の横を通り過ぎ、隣の家のドアまで歩いていかなければならない。プロの殺し屋で世捨て人のレオンだ。マチルダが彼にドアを開けてくれるよう懇願する、このシーンを一緒に見直そう（02:00から）：
何が見えるだろうか？どうしたらいいのか、悩んだ末にレオンはドアを開ける。一瞬、マチルダは文字通り光に包まれ、目がくらみそうになるほど強烈な光を浴びる。
光の源は論理的に説明できるものではなく、このシーンにほとんど宗教的な質を与えています。不可解な光の洪水、特にこのようなパワーを持つ光と結びつくことで、暗殺者は観客にとって道徳的に再調整された存在となっています。
ジェニファー・ヴァン・シール著『シネマティック・ストーリーテリング』より
消極的な照明で顔を照らす
上に挙げた例はどちらも微妙だ。照明が100％現実的であるわけではないが、私たちをシーンから遠ざけることはない。それどころか、物語への没入感を高めてくれる。しかし、もし不穏な効果が私たちの求めるものだとしたらどうだろう？この点で私の頭に即座に浮かぶのは、「マンディ 」だ。特に、エンディングの車の中で、妄想に取り憑かれた主人公が死んだ妻が自分の横に座っているのを見るシーンだ。
ニコラス・ケイジ演じる主人公が、苦しみ、怒り、殺人を経験した後、おかしくなったのは間違いない。この瞬間、彼が酸欠状態であることもわかっている。鮮やかな赤色と、強烈だが消極的な照明が組み合わさり、私たち（視聴者）を殴りつける。このシーンは私たちを不快にさせるが（正直なところ、映画もそうだ）、この人物の精神状態を表すには、最も大胆で適切なビジュアルチョイスではないだろうか？
まとめ
もちろん、照明を動機づけ、現実的で本物だと感じさせることはとても重要だ。それは照明デザイナーが身につけるべき大きなスキルだ。それと同時に、ストーリーが別のものを求めていると感じたら、慣習を忘れてもいいということを覚えておくことも重要だ。諺にもあるように、ルールをよく知ることで、それを効果的に破ることができる。
特集画像：『Léon： リュック・ベッソン監督『プロフェッショナル』1994年。
追加情報源： ジェニファー・ヴァン・シール著 「Cinematic Storytelling」、2005年。
